Blog de Mac !!!

Mac!!! avec les yeyés: Lorella

2011-07-04T13:04:00.000-07:00

“Tiene 20 años. Ella vivió la mayor parte de su vida en Pamplona y Asturias. Ahora, en Madrid, estudia Arte Dramático con Amparo Reyes en la Escuela Superior.
La carrera de Canto la terminó en el Conservatorio de Pamplona.
Es autora de sus propias canciones. Quiere dedicarse por entero a los jóvenes, que como ella comienzan a dar sus primeros pasos importantes en la vida.
Posee una gran inspiración y sensibilidad de artista nata, que se refleja en sus composiciones.
Auguramos una gran acogida a esta muchacha, en posesión de un gran talento.
Lorella espera estar muy pronto en el corazón del público español”

Así reza la contraportada de la primera grabación que realizó esta asturiana, nacida en Avilés, pero navarrica de adopción, llamada María Dolores Ostiz. Exacto: la misma María Ostiz que alcanzaría un gran éxito con temas como "No sabes como sufrí".

Si examinamos la galleta del disco obtenemos más información: se grabó en 1965, en el sello RCA, y con la ayuda de un conjunto fantástico, nada menos que los Shakers. No los uruguayos, sino los que telonearon a los Beatles en su concierto de Barcelona. Esta es una de las razones de la fuerza instrumental de estas canciones. El resto lo pone Lorella con su encantadora manera de cantar esos cuatro temas que firma con el nombre de Dolores Ostiz: "Sandy / Buscando el Amor / Sola Estoy / Pequeño Corazón".

Y la portada... de la portada mejor no hablamos, porque la pobre Lorella casi parece la virgen María saliendo del portal... Una auténtica putada para esta venteañera a la que la revista Discóbolo calificaba de "distinta, moderna, original…"

Los Shakers solo editaron un par de eps, llegando a participar en la película Megatón Yeyé. En ellos militaba Enrique Morales, futuro componente de los Brincos y hermano de Junior. Ellos le dieron el toque garagero que distingue este disco sobre otros muchos de chicas yeyé que no pasaban de ser intérpretes más o menos convencionales (Lorella era compositora de todos sus temas). Un disco de corte beat, con buenas guitarras, un fantástico órgano farfisa y voces deliciosas.

Tras el relativo éxito (sobre todo musical) del primer ep, la discográfica decide grabar un segundo 45 que se publicaría en el mismo 1965. Pero las limitaciones que imponen a la artista condicionarían negativamente el resultado final, del que la propia Lorella no quedó satisfecha. Sólo dos temas propios esta vez, acompañando a las recurrentes versiones de temas italianos del Festival de San Remo "sugeridas" por la discográfica, y un acompañamiento que cambia el beat primitivo de los Shakers por un convencional piano y una orquesta profesional. Destaca el tema "Tendrás que llorar", composición propia, aunque sin llegar a la calidad del anterior disco. Esto, a la postre, significaría el final de la breve historia de Lorella, que volvería a sus clases de arte dramático, para reaparecer un par de años más tarde y triunfar ya como María Ostiz.
Pero eso es otra historia...

Escena Ferrolana Vol.2

2011-05-22T14:35:00.001-07:00

Con el final del verano de 1969, finalizaba también el periodo independiente de los Sprinters. El éxito llamaba con fuerza en la puerta de otro ferrolano, un tal Andrés Lapique Dobarro. Su single de debut, “O tren” / “Miña Maruxa”, se colocaba sorprendentemente como numero uno de ventas a nivel nacional. Sorprendente, sobre todo, por ser el primer número 1 que no era cantado en castellano, ni en inglés, francés o italiano, sino en el vilipendiado "dialecto gallego", un hito musical nunca más repetido. Esto precipitó las cosas. Andrés do Barro llama a los Sprinters para que lo acompañen en sus actuaciones, así como en las sesiones de grabación de sus discos, como la banda propia del cantante. Atrás quedaba su brillante trayectoria musical independiente, tan notable como breve en el tiempo.

Andrés do Barro fué uno de los primeros artistas que se atrevió a cantar en gallego, en pleno franquismo. Con do Barro, los Sprinters grabaron muchos temas (“San Antón”, “Corpiño xeitoso” y, por supuesto, el famosísimo “O tren”). También rodaron la película "En la red de mi canción". Durante algún tiempo, la banda vivió en Madrid, junto con Andrés, ciudad donde Juán Pardo llevaba la producción de sus discos. Lo que representó Juan Pardo en esos años, lo explica muy bien el también ferrolano Jesús Ordovás: “coa axuda de Juan Pardo, abrirán novos camiños no campo musical. Porque o propio Juan Pardo, tamén abre novos camiños, tras do seu triunfo apoteósico en Ferrol, onde lle deixou unhas ganancias de 135.000 pesetas, ao empresario que o contratou. ¡Iso si que é xuntar progresismo e comercialidade!”.

Así, entre finales de 1969 y 1972, de manos de su paisano y amigo Andrés, los Sprinters conocieron la fama. Tres años en los que Andrés do Barro, siempre acompañado por los Sprinters, alcanzó nada menos que 3 numeros uno en las listas de ventas discográficas españolas: “O tren” (1969), “Corpiño xeitoso” (1970) y “San Antón” (1970). Este éxito fulgurante del cantante ferrolano conllevó una importante carga de trabajo para la banda, que no paró de participar en galas y bolos diversos, y por supuesto, unos importantes ingresos para todos ellos. Tuvieron ocasión de compartir escenario con muchos otros grupos de la época, como Formula V, con quienes hicieron buenas migas, alternando también con míticos de la noche madrileña, como Micky, Mike Kennedy, Fernando Arbéx...

Hasta realizaron alguna pequeña gira por centroeuropa, sobre todo por Suiza, donde actuaron para un público netamente gallego, compuesto por emigrantes, que, al escuchar aquellas canciones cantadas en su idioma, no podían aguantar la emoción y lanzaban sus gorras al aire.

Aprovechando la popularidad de Andrés, en 1971 debutan en la pantalla grande, en un largometraje pseudomusical, pensado para promocionar al artista ferrolano. En “En la red de mi canción”, los músicos se vieron rodeados de un elenco de actores importantes, como Conchita Velasco, Alfredo Mayo, Rafaela Aparicio, Florinda Chico, Antonio Ozores, Cassen o Álvaro de Luna. Desgraciadamente, el productor cinematográfico vigués Cesáreo González, le encargó la dirección a Mariano Ozores, con lo que el resultado no fué el más deseado...

Los Sprinters aparecen en varias secuencias de la película, al comienzo de la misma, por ejemplo, puede vérseles atravesando las calles del casco viejo de Santiago de Compostela, montados sobre una camioneta, mientras Andrés canta la canción "Pois eu", y ellos tocan sus instrumentos. El rodaje transcurre entre Madrid y Galicia: Santiago, Vigo, Noia, Padrón Porto do Son, Pontevedra, Ourense... Y puede verse en acción a la Tuna Compostelana y a diversos grupos de baile gallego, en la romería de Santiaguiño do Monte, en Padrón.

En la película, Andrés Do Barro, fué lamentablemente doblado por un actor profesional de doblaje. Por suerte no nos privaron de su voz en las canciones que suenan en la película, entre las que destacan: “Pois eu”, “O tren”, “San Antón”, “Teño saudade”, “Corpiño xeitoso”... Un gran documento para la posteridad. El estreno del largometraje tuvo lugar el 6 de diciembre de 1971 en Madrid. El film obtuvo una recaudación de 128.195,58 €. 877.491 espectadores vieron la película.

Tras esos tres años de éxitos, Andrés se replantea su carrera, cambiando de discográfica y de banda de acompañamiento. Los Sprinters se convierten en una orquesta, que recorrería multitud de pueblos y ciudades de Galicia, y que aun se mantiene activa. Entra en la banda Fernando Marta Acevedo (antiguo guitarra de los Fraps). Miguel Varela "o tranquilo" abandona el grupo y comienza, en 1974, las colaboraciones con su esposa, Maria Manuela. Como duo, "Manuela e Miguel" ponen música a muchos de los poetas de su tierra, junto con composiciones propias. El debut del dúo es el single “Pedro Chosco” / “Eu namorar” (1974).

Mac!!! Los Sprinters y la escena ferrolana

2011-01-25T03:11:00.000-08:00

Los Sprinters fueron, sin duda, el grupo musical de mayor calidad de Ferrol en los años sesenta. No en vano, son recordados por sus paisanos como "os nosos Beatles", debido también a las versiones, muy bien adaptadas al castellano, que de ellos hacían, algunas de las cuales dejaron registradas en vinilo para la posteridad. Hablamos de su primer Ep (1966), con una cara B 100% Beatle: "Hemos de salvar" (We can work it out) y "Mi gran amor le dí" (And I love her). Mucho podrían haber aprendido los Mustang de Barcelona si se hubiesen fijado en estos ferrolanos, puesto que a excepcón de "Conocerte mejor" (I should have know better) la mayoría de sus versiones dejan bastante que desear.

Los Sprinters nacen en 1965, cuando ya otros paisanos suyos, los Player's, habían grabado al menos un Ep: "Sheiba" (1964). Los Player's ferrolanos estaban a medio camino entre la orquesta y el pop, a semejanza de los primeros Tamara (Noia). Fueron pioneros en la introducción de los ritmos modernos en Galicia, pues se forman en 1960, llegando a actuar por toda Europa.

En el Ferrol de la segunda mitad de los sesenta, la música se vivía de un modo muy intenso. Además de los Player's y los Sprinters, otros grupos ferrolanos, como The Silver Dragons, los Telstar, Los Frap, los Zares, los Redógenos, los Truenos, the Wrides, o grupo Jockeys (Narón) animaban la escena. Pero también solistas como Andrés do Barro, Vicente Araguas Álvarez, Xosé Manuel Lasén «Marcof», Xoán Rubia Alejos (que era natural de Mugardos)…, dúos folk como Emilio e Fernando, etc… Y había un montón de lugares donde tocar en directo, como el "Bambú Club", "El Parque", "Breogán"… La escena ferrolana se completa con la figura de Víctor Auz Castro, director y guionista de la película “Codo con codo” (1967), protagonizada por Bruno Lomas, Micky y Los Tonys, Massiel y Pilar Velázquez, y rodada en Madrid.

Cuatro jóvenes amantes de los Beatles y el "liverpool sound" y de grupos instrumentales como Shadows, Tornados, Ventures, etc, se unen para formar los Sprinters. En aquellos tiempos sus conciertos comenzaban siempre con el instrumental "Telstar" de los Tornados, dejando bien claras sus influencias musicales. Los temas instrumentales que dejaron registrados, en cambio, son sin duda lo más flojo de su repertorio. Los Sprintes eran un cuarteto con estructura "beat": Miguel Varela Suárez, "O Tranquilo" (guitarra y voz) ,Ramón Miranda (guitarra/órgano), Alfredo Mella Álvarez (bajo), y José Vázquez (bateria). Su existencia como grupo independiente fué breve, pero muy productiva, dejando entre 1966 y 1968 nada menos que 5 Eps y 2 singles, un total de 24 temas, algunos de ellos auténticas joyas. En otoño de 1969, los Sprinters pasan a convertirse en la banda de acompañamiento de Andrés do Barro, a raiz del éxito alcanzado por el primer disco sencillo del cantante ferrolano. Junto a Andrés do Barro emprendieron largas giras, tocaron en la grabación de sus discos, e incluso participaron junto a él en el film "En la red de mi canción" (1971), dirigida por Mariano Ozores y protagonizada por Andrés y Conchita Velasco.

De estos 24 temas, grabados todos ellos en los estudios Fonogram de Madrid para el sello Fontana, la mayoría eran versiones, y solo 4 canciones eran de composición propia: “El tablao” (1966), “Explicación” (1967), “Aquella balada” (1967) y “¡Espera, que quiero hablarte!” (1967). De hecho, tras su fichaje por Fontana, el desafío para los Sprinters sería componer una canción propia, en castellano, que además fuera del agrado de los responsables de la compañía discográfica. Y lo hicieron siguiendo el esquema del clásico Flamenco de los Brincos: "El Tablao" es un tema festivo, de corte "beat". El concepto de típica "canción española" modernizada, al que hasta los mismísimos Cheyenes tuvieron que rebajarse en sus comienzos ("Valgame la Macarena"), convence a los direcivos de Fontana, sabedores de que es una fórmula de éxito, y se convierte en la pieza estrella de su primer Ep. Completa la cara A "En una flor", versión del tema yeyé italiano, y las dos piezas de los Beatles ya comentadas.

Pese a las deficientes condiciones de grabación del disco, el debut de los Sprinters es un vinilo francamente bueno. Otra cosa es la imagen que de Galicia tenían las compañías discográficas mesetarias, llenas de tópicos absurdos, y actitudes paternalistas, muy propias del régimen franquista. El ejemplo está en la portada del disco, en la que aparece una foto del grupo, uniformado con trajes azules, en torno a un carro del país, situado en un alpendre. Una imagen claramente regionalista.

No obstante, el disco fue un relativo éxito, consiguiendo entrar en listas, aunque en un modesto puesto. Consiguen una importante repercusión mediática, lo que propicia un nuevo viaje a Madrid, para grabar en Prado del Rey una actuación que sería emitida por el espacio "Musical 14:05" de Televisión Española.

De su segundo Ep, publicado poco después del primero, y muy probablemente con temas pertenecientes a esa misma sesión de grabación, destacamos su versión del tema de Polnareff "La muñeca que hace no", y como no, la fotografía de portada, de la misma sesión fotográfica, les vemos con el mismo vestuario, esta vez armados con los "típicos" paraguas.

La primera actuación relevante de los Sprinters fuera de Galicia, fué para concursar en el "II Certamen Internacional de Conjuntos Músico-Vocales" de León, celebrado en el Teatro Emperador, que registró llenos continuados (1500 espectadores), entre el 31 de enero y el 4 d febrero de 1967. Para León esos días supusieron una verdadera invasión de "melenudos". Participaron en el festival un total de 29 grupos, varios de ellos extranjeros, entre ellos los Roberts, los Exóticos o los Rocking Boys. Finalmente el palmarés fué:

- 1º Los Continentales (Madrid), «Premio Ciudad de León», y 100.000 pesetas.
- 2º Los Tifones (Madrid), 50.000 pesetas.
- 3º The Vampires (Berlín, Alemania), 25.000 pesetas.

La gala de la sesión final, para la que se clasificaron los Sprinters, fue retransmitida por TVE y por la radio. En ella, los 6 grupos finalistas tuvieron que interpretar, de modo obligatorio, los temas tradicionales leoneses "¡Déjala dormir!" y "¡No la llames!". El resto del repertorio era libre. Como nota del ambiente político de la época, llama la atención el veto recibido por el cantante hippie valenciano Coronel Pipo, contratado por la organización del festival (para el fin de fiesta), y que las autoridades no dejaron actuar (a los militares no les hizo gracia su "grado" de "coronel"). Tres de los grupos participantes en el festival acabarían por grabar el tema "¡Déjala dormir!": los Continentales, los Vampires, y los Rocking Boys.

Los casi desconocidos Tifones, con su nuevo cantante de color Phil Trim, se presentaron en León con una propuesta Soul "a la española". Tras su segundo puesto en el festival, relanzaron su carrera, cambiando su nombre por el de Pop-Tops, e iniciando una espectacular trayectoria profesional que les convirtió en uno de los grupos españoles más importantes de todos los tiempos.

El tercer Ep de los Sprintes es "Explicación" (1967), el segundo tema propio que lograron grabar, un medio tiempo de corte beat, con un buen trabajo vocal, sección rítmica grabada en primer plano y guitarras en segundo plano, casi desaparecidas. Destacamos también "1-2-3", de Len Barry, una especie de plagio del "Ask any girl" de las Supremes. La versión de los Sprinters compite en igualdad con la de los Watts de Barcelona, otra cosa es compararla con las producciones de la etapa dorada de Motown...

En enero de 1967, aparece un artículo sobre los Sprinters en el número 16 de la revista musical "Alta Fidelidad". En esto llegaría el 4º Ep, el más flojo de los Sprinters, "Señor Profesor" (1967), Versión del tema "to sir with love" interpretado originalmente por la escocesa Lulu, acompañada por los Minbenders, para la película de igual título, en la que una pizpireta alumna (Judy Geeson) se enamora de su apuesto profesor (Sidney Poitier). Destacamos de este disco el tema propio "Aquella balada", aun siendo la más floja de las que compusieron.

Y llegamos al 5º y último Ep, en el que aparece la joya de la corona de los Sprinters: “¡Espera, que quiero hablarte!” es una composición propia y todo un temazo de garage, con buenos riffs de guitarra, una contundente linea de órgano, y una letra tan directa como efectiva. ¡Otro gallo cantaría si estos chicos hubieran nacido en Madrid!

El 6º trabajo de los Sprinters es el single “¡Qué tiempo tan feliz!” / “La habitación blanca” (1968), ambas grandes adaptaciones al castellano de “Those were the days” (Mary Hopkin) y “White room”, tema sicodélico de los británicos Cream, donde el protagonista de la canción, que espera un tren, se encuentra bajo los efectos del LSD. En lo musical, si bien le falta algo de garra, debido a la ausencia de coros o efectos, es un tema bastante decente. La adaptación musical la firma Alfonso Alpin (pseudónimo del gran Augusto Algueró, recientemente fallecido).

Y por fin llegamos al último single de los Sprinters: “Rain and tears” / “Yummy, yummy, yummy”. “Rain and tears”, original del grupo griego Aphrodite’s Child, es un tema sinfónico inspirado en varios de los movimientos del "Canon en Re mayor" del compositor barroco alemán Johann Pachelbel. La adaptación al castellano fue escrita también por Alfonso Alpin. El resultado, un hermoso tema, sobrecogedor, con una letra tan lírica como armoniosa y clásica, y la música compuesta por Pachelbel en el siglo XVII.

Resumiendo, una buena colección de canciones, que incluye temas beat, yeyé, sicodelia, música sinfónica e incluso bublegum y pop de ambos lados del atlántico. Todo un muestrario de los estilos que imperaban en aquella época, aunque personalmente preferimos el lado más beat del conjunto. Como muestra, icluímos a continuación sus 4 temas propios, y un par de versiones, que podrás escuchar pinchando aquí.

Mac's lone singles !!! The Accent

2010-06-28T07:56:00.000-07:00

Los cuatro muchachos que nos ocupan hoy procedían de Yorkshire y tenian algo de acento al hablar, por lo que decidieron rebautizarse como The Accent. Eran conocidos como The Blue Blood Group antes de trasladarse a Londres en 1966, donde trabajaron como banda residente en el Billy Walker's Upper Cut Club. En 1967 grabaron un único 45 para Decca: "Red Sky At Night / Wind of Change", producido por Mike Vernon.

La cara A es todo un clásico sicodélico con unos inspirados arreglos folk-freakbeat, un gran trabajo de guitarras y unas oscuras, misteriosas, y casi etereas voces. El tema comienza con una melodiosa guitarra acústica de inspiración folk para, a continuación, desplegar un sonido cargado de eco y efectos, de lo más duro que se podía escuchar en la época, quizá solo comparable a Cream o Hendrix, o a algunos temas de Pink Floyd tales como "Interstellar Overdrive" o "Take Up Thy Stethoscope And Walk."

La cara B, Wind of Change, aunque algo más floja en cuanto a melodía, tampoco se quedaba atrás, con una potente base rítmica y unas guitarras también muy trabajadas. Existen dos ediciones del single, la británica bajo el sello de Decca, o de su subsidiaria Deram, y la de Parrot para el mercado americano.

The Accent tenía todos los ingredientes para triunfar, pero fallaron. Quizá iban por delante de su tiempo, o es posible que fueran vistos como un grupo más de sicodelia de los muchos que había en su época. Fuera por lo que fuese, estos chicos no causaron ninguna impresión en su momento y la compañía, más preocupada por las ventas que por la calidad musical, prescindió de ellos para futuros discos. Sin embargo, como los buenos caldos mejoran con el tiempo, su single es muy buscado y cotizado hoy en día (algo tiene que ver en eso su inclusión en el recopilatorio Chocolate Soup For Diabetics), de hecho suena bastante mejor que la mayoría de singles que sí entraron en listas por aquellas fechas...

Los miembros del grupo eran Rick Birkett (guitarra), John Hebron (voz y guitarra), Alan Davies (bajo), y Pete Beetham (batería). Birkett publicaría más tarde un raro album en solitario bajo el nombre de Rick Hayward (Blue Horizon 1971), sería miembro de una postrera formación de los Zombies y participaría en Jellybread.

Mac's lone singles !!! The Chances Are

2010-06-19T11:53:00.000-07:00

La idea de Mac's lone singles es rescatar esos viejos discos de grupos, algunos oscuros y otros más conocidos, cuya característica común es, aparte de su calidad musical, el habernos dejado un único vinilo como legado de su existencia. Algunos trabajaron duramente ofreciendo buenos espactáculos en vivo, pero no tuvieron la suerte o la oportunidad de volver a grabar, otros se disolvieron para dar lugar a nuevas formaciones, y otros, sencillamente, surgieron de la nada para grabar un disco y volver a desaparecer en el más absoluto misterio. Tal es el caso del grupo con el que inauguramos la sección.

The Chances Are surgen en 1967 para grabar su único single para la Columbia británica, una versión de un oscuro tema americano, "Fragile Child", compuesto por los hermanos Fogerty y publicado en marzo de 1966 en el sello Scorpio, como cara B de "Fight Fire". Obviamente, hablamos de los Golliwogs, grupo sobradamente conocido, sobre todo por ser el primer nombre de la exitosa banda Creedence Clearwater Revival. Ni que decir tiene que este quinteto británico le dió al tema un toque mucho más mod.

Acompañando a este tema, en la cara B nos encontramos con "What Went Wrong", un tema del que no tenemos ninguna referencia, pero que suponemos es una versión de la canción de los Hollies. A título personal, no puedo evitar apuntar cuanto me recuerda ese tema a uno de Micky y los Tonys titulado "¿Buribú?". No puedo calificarlo de plagio pero, Micky, reconócelo, habías escuchado a los Hollies cuando grabaste ese disco...

Mac's Psych !!! The Blossom Toes

2010-06-16T12:54:00.000-07:00

Aunque nunca tuvieron éxito comercial, los Blossom Toes son una de las bandas británicas de pop sicodélico más interesantes de finales de los sesenta. El cuarteto original lo formaban Brian Godding (voz, guitarra y teclados), Jim Cregan (guitarra y voz), Brian Belshaw (bajo y voz), y Kevin Westlake (batería).

Sus comienzos se remontan a 1962, cuando Brian Godding y Brian Belshaw se conocen como aprendices en la fábrica de instrumentos científicos Hilger & Watts en Highbury, Islington. Allí formaron un grupo llamado The Grave Diggers y eventualmente tocaron en The Ingoes, un combo de R&B. Como The Ingoes, contactaron con el manager de The Yardbirds, Giorgio Gomelsky (mentor de los primeros Stones, o de Soft Machine, entre otros) que les lleva a tocar a Paris donde se ganaron un nutrido grupo de seguidores. De vuelta en Londres para un paréntesis, reclutan a Jim Cregan, y retornan para un segundo periodo en París. Fue durante este tiempo cuando The Ingoes grabaron una sencilla versión de Help!, cantada en Italiano para el mercado Italiano, y un EP en el sello Riviera. Justo tras su vuelta a Londres, el batería Colin Martin abandona y es reemplazado por Kevin Westlake. Fue por esas fechas cuando The Ingoes se convierten en los Blossom Toes. Fueron entonces alojados en un apartamento en Fulham por su manager Giorgio Gomelsky y entraron en el estudio para grabar su album de debut, que aparecería en el mítico sello Marmalade. El acompañamiento de gran parte del album fue grabado por una orquesta y por músicos de sesión. El album está a años luz del r&b pero entronca con esa fantasía típicamente británica en la manera de componer de gente como Ray Davies o Syd Barrett. Se trata de una colección de 15 temas de inventivo psych pop (por ejemplo Telegram Tuesday, When The Alarm Clock Rings) con su cuota de excentricidad (The Remarkable Saga Of The Frozen Dog).

Estamos en 1967 y el lanzamiento del disco se presenta en Melody Maker como la "Giorgio Gomelelsky's Lonely Hearts Club Band". Desafortunadamente, sus actuaciones en directo se resentian debido a la imposibilidad de reproducir gran parte del album en escena. A finales de los 80's, un disco pirata saca a la luz material en vivo de 1967 de una actuación en un importante club sueco, y muestra como la banda hacía muchos números de Captain Beefheart; es dificil de imaginar como encajaba eso con material de su debut , pero muestra qué cambios de estilo se fueron gestando hasta llegar al tiempo de su segundo album dos años más tarde. Durante 1968, la banda solo lanzó dos sencillos, ambos con el nuevo miembro Poli Palmer, a la batería. Lanzaron una versión de Bob Dylan, I'll Be You Baby Tonight y seguidamente una verdadera joja perdida, Postcard apoyada por Everyone's Leaving Me Now. Esta última fue escrita y cantada por Poli Palmer y los muestra tocando en su vertiente más jazzy, mientras la cara A era una astutamente elaborada canción psych pop. Palmer abandona poco despues del single y es reemplazado por Barry Reeves de la soulera Ferris Wheel. Su segundo album, If Only For A Moment fue publicado en 1969. Era bastante menos sicodélico que su debut, pero todavía guardaba algunos buenos momentos en la epica Love Bomb y en la locura del primer corte, Peace Loving Man. Hay algunas grabaciones de los Blossom Toes en la BBC donde destacan unos pocos temas fuera de su segundo LP que muestran como podían haber sonado las canciones si Palmer se quedara con ellos. Además, dos joyas inéditas fueron tambien grabadas para la BBC, pero nunca aparecieron en ningún album o futuro recopilatorio, Collect Little Girls y Ever Since A Memory. Nos preguntamos si habrá un album perdido de 1968 de estos tipos!! Hmmm.

Como curiosidad, los Blossom Toes también aportaron su música para el cine, apareciendo en La Coleccionista de Éric Rohmer y en Popdown de Fred Marshall, ambas de 1967. Tras la disolución del grupo, en 1970, Belshaw y Godding vuelven a unirse a Westlake en B.B.Blunder; Cregan, por su parte, forma Stud con Jim Wilson y Charlie McCracken, antes de unirse a Family.

Mac's Selections !!! The Locomotive

2010-06-01T10:06:00.000-07:00

The Locomotive no puede definirse como una banda de Ska, a pesar de haber compuesto el tema con el que se hicieron célebres los Specials, tampoco son un conjunto de Soul, aunque tuvieran soul de sobra, no son una banda sicodélica, pese a versionar a grupos tan inverosímiles como The United States of America, ni un grupo progresivo, etiqueta que aun no había sido acuñada en la época en que escribieron sus temas. El término que mejor los define, sin duda, es evolución.

The Locomotive fueron una banda establecida en Birmingham que sufrió una seria evolución en los últimos años de la década de los 60, produciendo siempre música de calidad en varios géneros diferentes durante sus tres años de historia. Su primera formación incluía al flautista de Traffic Chris Wood.

En contraste con Mike Sheridan & the Nightriders, Moody Blues, the Move, o Idle Race, es decir, todas las bandas de Birmingham que seguian la corriente general del British beat, el R&B, o el mod-punk, the Locomotive comenzaron tocando Ska. Con Norman Haines (proveniente de los Brumbeats) en la composición de canciones, se subieron al carro del Bluebeat que se desarrollaba en 1967, pero en vez de seguir el paso natural hacia el Reggae, the Locomotive dio un giro de 90º hacia la sicodelia.

Tras grabar inicialmente para el sello Direction el single Broken Heart / Rudy a message to you a finales del 1967, en 1968 fichan por EMI Parlophone y alcanzan el top 30 con su lírico single Rudy's in Love. En 1969 lanzan un single llamado Mr. Armageddon, una obra maestra de sicodelia, una pieza cargada con una densa instrumentación, que no logró pegar pese a poseer un sonido único para la época, un rock apoteósico y denso, con un hammond brutal, letra alucinante y una big-band aportando los arreglos de viento, todo ello ensamblado a la perfección. Seguramente el gran éxito cosechado por el anterior single, mucho más pop, jugaría en su contra en adelante, impidiendo que un público más underground, al que dirigirían sus pasos en adelante, les tomara en serio.

La banda hizo un album, We are all you see, para Parlophone en 1969, con Dick Smith Heckstall al saxo y Chris Wood (por entonces miembro de Trafic) con la flauta para reforzar la formación principal. El álbum no entusiasmó al público aunque es interesante, conteniendo un par de temas que habían sido escritos y grabados por la banda the United States of América, así como Mr Armageddon.

El estilo excéntrico del disco transita entre la sicodelia inglesa y el progresivo, pero aderezado con mucho soul, una buena dosis de jazz y algo de clásica. Esto le asemeja a Traffic o Family, pero es algo mucho más soul, quizá con un toque de Procol Harum en sus metafísicas letras. Un órgano enloquecido, voces distorsionadas y jazzeros cambios de ritmo hacían el resto. Como anécdota para ilustrar lo inaccesible de su producción, sirva el ejemplo de que su tema más célebre sea la versión de the United States of America del "Coming Down/Love Song for the Dead Che", un tema ya de por sí muy poco conocido en la época en su versión original.

El grupo también grabó un single de incógnito para el sello Transatlantic bajo el pseudónimo Steal Shovel, que fue recuperado para la reciente reedición del Lp.

Podrían haber dado el salto al recien creado sello Harvest con bastante facilidad, pero Locomotive se rompe justo cuando EMI empezaba a tomarse en serio la sicodelia y el rock progresivo. Norman Haines más tarde enlideraría una banda que llevaría su nombre, y Lamb acabaría tocando la batería con Steve Gibbons a mediados de los 70.

Y no se me ocurre mejor manera de terminar que con la versión que hizo Jorge Querol de Rudy's in Love con letra en castellano, un tema que personalmente me resulta delicioso.

No obstante, si queréis más detalles acerca de esta banda, de su formación, discografía completa, etc. solo tenéis que pinchar aquí

Mac conversa con los Grimm !!!

2010-04-25T12:22:00.000-07:00

Como muchas agrupaciones de la época, sus discos no reflejaban su gran potencial sobre el escenario. Los temas grabados eran impuestos por su discográfica Philips/Fonogram, pero cuando tocaban en grandes discotecas o en pequeños clubes impresionaban a su público descargándose con temas de Hendrix, Steppenwolf y otras bandas de hard rock, estilo que pocos conocían en España. En su repertorio tambien abundaban temas de Spencer Davis Group, como Strong Love, When I Come Home, Stevie's Blues y I'm a Man. Puro r&b que bordaba su cantante Pedro Ruy-Blás con su excelente voz. Luego, con Pedro Talavera como solista, incorporan a su repertorio temas de Hendrix como Purple Haze, The Wind Cries Mary o Crosstown Traffic, y otros de Brian Auger y de Cream. Y en su última etapa, con Pablo Abraira, se atreverían incluso con Led Zeppelin. Pero empecemos por el principio:

La historia de los Grimm arranca cuando los hermanos Angel y Jesús Fernandez, que eran grandes admiradores de los Shadows, deciden montar un grupo, al que darán el nombre de Los Gringos. En esos primeros momentos, las condiciones eran tan precarias que utilizaban para tocar una batería casera formada con bidones y ollas de cocina. Poco después llegaría Eduardo Sainz, hermano de dos de los componentes de los exitosos Pekenikes y flamante poseedor de una batería de verdad.

Jesús era delineante en el estudio del arquitecto Mario Gomez Morán, quien se interesó por la banda, hecho que fue clave para ellos, ya que decidió apadrinarlos y proporcionarles el dinero que necesitaban para adquirir un equipo de segunda mano. Así, comienzan a actuar en salas de Madrid como Versalles, Consulado o Canciller. Estamos en 1964. La British Invasion invade la península y los Gringos comienzan a introducir temas de los Kinks, los Who, o los Beatles. Vuelven a recurrir a Mario Gomez, que les presta la friolera de 327.000 pesetas para adquirir un equipo puntero. Se instalan como banda residente de la sala Imperator de Madrid, donde compartieron cartel con grupos como los Salvajes, los Iberos, los Pekenikes o los Brincos.

Ángel abandona la banda y entra como solista Pedro Ample, un chaval de 17 años que rebosa soul. Hablamos de un exquisito cantante que sustituiría a Teddy Bautista en los Canarios, triunfaría más tarde en solitario como Pedro Ruy-Blás y, ya en los 70, con Dolores.

Con la incorporación de Pedro (y de Carlos María de la Iglesia a la batería) consiguen actuar a diario en un crucero transatlántico que hacía la travesía Bilbao-Nueva York, de donde vuelven con unas buenas tablas y empapados allí de las últimas tendencias musicales. Estamos en 1965, Ricardo Fuster (batería de los Relámpagos) les consigue un contrato con la discográfica Fonogram. Tambien actuan en Caravana Musical, el programa de Ángel Álvarez

Trasladémonos ahora a 1966, y tratemos de imaginar a un jovencísimo Pedro Ruy-Blás cantando el Somebody Help Me de Spencer Davis Group.

When I was just a little boy of seventeen

I had a girl she was my queen

She didn’t love me like I loved her now I know

Now I’m so lonesome on my own

En 1966, canté ese tema un montón de veces con mi grupo de por entonces. Nos llamábamos Los Grimm.
Es de los pocos de aquella época de los que aun recuerdo parte de la letra. También tocábamos I'm a man, y Gimme some lovin' y Keep on running, y I can get enough of it, y la que mas me gustaba de todas: Look away. Pero Stevie Winwood era y es insuperable. Si eres cantante, si tienes soul o quieres tenerlo es imprescindible escuchar esa música. Y además te hará disfrutar un montón. Spencer Davies Group.

Es una auténtica pena que no haya quedado para la posteridad ninguna de esas canciones...

Esos temas solo los hacíamos en directo. A la hora de grabar discos escuché cientos de veces a cientos de personas, empleados de casas de discos, la célebre frase:.."Eso no es comercial"

Hay un tema en el último single grabado por los Grimm, que sería digno del mismísimo Steve Winwood, la calidad tanto vocal como instrumental es insuperable... hablo del Want My Love Again

En la canción "Want my love again" que grabaron Los Grimm, no era yo quién cantaba, por entonces yo había dejado el grupo.
Estoy absolutamente de acuerdo contigo en que esa versión está excelentemente interpretada, pero es Pablo Abraira, que por entonces aun era desconocido quién lo hizo.
Mas adelante, Pablo debió escuchar la frase: "Eso es comercial" y dejó de cantar canciones de Spencer Davies...
Me gustaría añadir que Pablo Abraira cantó en ese mismo single de Want my love again, en la cara A, un tema de Traffic titulado "Sin nombre, sin faz ni silueta". Curiosamente el vocalista de Traffic era Steve Winwood. Pablo cantó esa canción en castellano de un modo exquisito.

Entramos en 1967. Desde Fonogram les sugieren realizar en su primera grabación una serie de canciones-cuento, en un estilo folk-psicodelico similar al de Los Pasos, y cambiar el nombre de los Gringos a Los Grimm, naciendo así la banda tal como la conocemos. Sus dos primeros sencillos, “La Amistad / Un Día Soñé” y “Un Talismán / Un Palacio de Cristal” , siguen ese concepto. Los cuatro temas están compuestos por Jesús y con letras de José Liñán. Encontramos ya en su sonido claras reminiscencias psicodélicas que con el tiempo irán a más y unas canciones de ensueño escritas a modo de fábula, y que, tal como hubieran hecho los hermanos Grimm, encierran una moraleja.

Para su tercer sencillo, “Pobre Hombre / Mientras Viva” (1967), y vueltos de su experiencia neoyorquina, la banda incorpora una sección de vientos y un estilo interpretativo que recuerda a Otis Redding, orientando su sonido hacia el soul, género en el que la excepcional cualidad vocal de Pedro tiene más oportunidades de desarrollarse. Es entonces cuando a éste le surge la oportunidad de pasar a formar parte de los Canarios, sustituyendo a Teddy Bautista mientras cumplía el servicio militar, por lo que abandona el grupo. Más tarde se uniría a Los Brisks en su etapa final, conjunto que abandonó igualmente al despuntar su labor en solitario y, finalmente, fundaría Dolores, uno de los grupos musicalmente más arriesgados, libres y volados de los 70 en España. La esencia de un nuevo jazz impregnado de la mala leche derivada del rock (pensemos en Weather Report).

Su sustituto en Los Grimm sería Pedro Talavera y con él el conjunto madrileño se mete de lleno en el rock ácido, como lo demuestran su siguientes sencillos.

En 1968 graban su cuarto sencillo. “Amor de Niña / Viaje en la Alfombra Mágica” , son dos arrolladoras versiones de "love child" de las Supremes y de "Magic Carpet Ride" de Steppenwolf respectivamente, en las que queda clara la gran calidad de la banda. Para algunos, uno de los mejores singles grabados en la época.

En 1969 llega “Para Lograr que me Quieras / Hoja de Trébol” , con la versión del gran éxito de Tommy James & The Shondells “Crimson & Clover” y el "I'm Gonna Make You Love Me", de las Supremes. Gran calidad, y unos temas mucho más relajados que los anteriores. Sin embargo, ni este ni ninguno de sus trabajos previos habían cubierto las expectativas de la discográfica, que relega al grupo a un segundo plano.

Pero, al margen de intereses económicos y centrados en su amor por la música, Los Grimm publicaron sus dos últimos sencillos, ambos marcados por el acid-rock y a un nivel técnico envidiable. Su sonido se enriqueció con la incorporación del gran guitarrista Tomás Vega, un enamorado de Hendrix y el Clapton de Cream, y con el teclista portugués Joao Vidal (que más tarde pasaría a formar parte de Barrabás).

En “Sasafras / Tengo Sueños” (1969) desarrollan un somido ya plenamente sicodélico, con guitarreos lisérgicos y un órgano hammond desenfrenado. El vocalista aún es Talavera. La cara A es una gran versión del "Hot Smoke & Sasafras" de Bubble Puppy, mientras que la B sirve de lucimiento para el poderoso Hammond de Joao y la feroz guitarra de Tomás.

Pedro Talavera abandona el grupo ese mismo año para hacer la mili y los Grimm incorporan a Pablo Abraira como vocalista para su último sencillo, "Sin Nombre, Sin Faz ni Silueta" / "Want My Love Again". Pablo Abraira es el autor de la canción que figura en la cara B, paradojicamente la única que el conjunto grabó en inglés y, por cierto, todo un temazo. La cara A es la versión del tema de Traffic "No Face, No Name, No Number"

De nuevo un miembro es llamado a filas, en este caso Tomás Vega, y harto del continuo baile de componentes, Jesús decide poner fin a un proyecto que, a pesar de su demostrada calidad, no había llegado muy lejos comercialmente, y para colmo les seguía manteniendo endeudados con el arquitecto Gómez Morán. Venden parte de los instrumentos para saldar la deuda, lo que supone el final de la banda. Tomás Vega, al terminar el servicio militar, monta junto a Abraira el conjunto Frecuencia, que únicamente llegó a editar un sencillo, y posteriormente ambos iniciarían sus respectivas carreras en solitario, donde Abraira cosechó un enorme éxito como baladista.

Resumiendo, un grupo de una calidad técnica destacable, a un nivel muy alto para un conjunto español de la época, con unas composiciones propias muy vigorosas y, sobre todo, con una vista certera para elegir las versiones y hacerlas tan suyas que poco o nada tienen que envidiar a las originales. ¿Por qué no tuvieron un éxito mayor? Siento no tener respuesta para esto. Ni siquiera grabaron un Lp. Su legado se reduce a 7 singles, grabados entre 1967 y 1969, que gracias al sello Munster han sido recuperados para disfrute de los que no tenemos la suerte de poder hacernos con los originales.

Mac's Sunshine Pop !!! Dulces Años

2010-03-07T08:21:00.000-08:00

Dulces años, 14, tenían estos chavales cuando fueron llevados por el batería de Los Pekenikes, Félix Arribas, a grabar su primer single. Hablamos de 1970. El grupo lo formaron tres amigos Antonio ''Toni'' Marín (voz y guitarra), su vecino Ramon "Mancho" Peñalva (batería) y José Manuel, que no llegó a aparecer en ninguna foto del disco debido a la oposición de sus padres. Al poco tiempo se les unieron otros amigos de su barrio: Ramón Segura a la guitarra y Santi Marcos al bajo.

Guiados por varios de los Pekenikes, publicaron cinco singles entre 1970 y 1974, en los sellos Guitarra, Movieplay y La Corrida. En un sexto sencillo con el tema central de la película La Tonta del Bote, intervinieron como músicos de sesión.

Nadie les tomó muy en serio en su momento. La crítica les relacionaba con ese pop infantil que se estaba convirtiendo en una moda. Pero en realidad eran músicos sorprendentemente virtuosos teniendo en cuenta su edad, y su cantante, Toni Marín, era tambien un prodigioso compositor. Que no nos engañen los créditos de los discos, firmados por sus padrinos de los Pekenikes que, aunque sí participaron en la producción, no eran los verdaderos autores de los temas. Sin embargo, debido a la minoría de edad de Toni, las canciones no pudieron registrarse con su nombre y salieron con el de A.Sanz y F.Arribas.

Dulces Años grabaron algunos de los temas más brillantes y menos conocidos del pop español de esa época, en un estilo cercano al sunshine pop.
Su primer single contiene en la cara A su canción más conocida y exitosa, "Almudena", una balada que bien podría haber sido firmada por Los Brincos y que llegó al numero uno en listas españolas. Toni la compuso inspirándose en una chica de su barrio. La cara B es otra excelente muestra del soft pop de preciosas armonías que practicaban, con unos arreglos muy trabajados, cuerdas, vientos... deliciosa! Su nostálgica letra cobra hoy, 35 años despues, un sabor especial:

Voy buscando por donde sale el sol,

por la senda que te vi al marchar

cuando te dije el último adios.

Los caminos con los que yo soñé

no son como los que tú quieres ver;

no quisiera mi sueño olvidar

Con el tiempo nos vamos alejando,

recordando con nostalgia el pasado

de nuestra juventud

En mis manos yo quisiera tener

la promesa que me hicistes ayer

de aquel día que te conocí...

algo cambió

sin saber como fue

con solo amar

ahora es facil soñar

Su segundo sencillo contiene "El lobo feroz", una joya de pop psicodélico compuesta por Toni. El tema "pensando en tí" completa el disco en su cara A, un corte quizá más pop, incluso por su letra, que podríamos catalogar entre las no siempre buenas "canciones del verano".

El escaso éxito del disco y, sobre todo,las presiones familiares sobre
algunos miembros del grupo, rompen esta primera formación. Toni estuvo entrando y saliendo de la banda durante los siguientes años, debido a su vida loca de joven estrella pop, con excesos de alcohol y drogas. Un nuevo cantante, Cecilio Sánchez, lo sustituye y la nueva formación graba tres sencillos más para los sellos La Corrida y Movieplay, con canciones todavía compuestas por Toni Marín: Analisa / Caretas de cartón (1971), Lady love / Azucena (1974) y un single de 1972 que no he conseguido encontrar. Al poco tiempo, el bajista Santi Marcos muere por sobredosis.

Toni, tras años de vida en la calle y problemas con las drogas, falleció el pasado 2006. A partir de esa fecha, comienza a gestarse la idea de recopilar los 10 temas de Dulces Años en un vinilo, que sería como el lp que nunca llegaron a publicar en su día. La edición sería limitadísima, quizá solo orientada a coleccionistas y fans, y se completaría con material fotográfico inédito del archivo de Moncho Peñalva, batería de la formación original. Una gran idea que esperamos que se materialice pronto. De momento, tenemos que conformarnos con su inclusión en el magnífico recopilatorio Papagayo. Podeis leer las notas interiores de este doble lp en el blog 18 rodas

Mac!!! record labels: Paula Records

2010-02-17T11:37:00.000-08:00

Paula nace en 1965 como un complemento para el material más pop / country del sello Jewel. Stan Lewis comenzó la secuencia de numeración de catálogo con el 219, la dirección de la casa que compartía con su esposa Paula; asimismo, el primer LP fue con el número 2190. Nos centraremos en la parte más pop, pasando por alto a un gran número de artistas country que grabaron para el sello, algunos con gran éxito:

El primer single de Paula, y tambien su primer éxito fue el "Not Too Long Ago"[Paula 219], de the Uniques, que alcanzó el número 66 a nivel nacional. The Uniques contaban con el destacado teclista y vocalista Joe Stampley, que más tarde tuvo una carrera en solitario con Dot Records. The Uniques también entraron en listas en 1966 con "All These Things" [Paula 238, # 97] y estuvieron en las listas de Navidad en 1967 con "Please Come Home For Christmas" [Paula 255]. El primer álbum publicado por Jewel / Paula fue el debut de the Uniques, Uniquely Yours [Paula 2190], que incluye el tema más conocido del grupo en la actualidad, desde su inclusión en el recopilatorio Nuggets, un pelotazo de garage titulado "You Ain't Tuff" El grupo grabó tres álbumes más para Paula, que también publicó una recopilación de grandes éxitos. Aunque no tuvieron un enorme éxito en las listas nacionales, sí que eran muy populares entre los universitarios, especialmente en el sureste del país. Los miembros del grupo eran Joe Stampley (órgano, voz), Ray Mills (guitarra), Bobby Sims (guitarra rítmica), Bobby Stampley (bajo), y Mike Love (batería).

Otros singles del primer año de existencia de Paula Records incluyeron piezas de Bill Dunham, Skip Stewart, y Peggy Paxton. También hubo singles de artistas que Stan Lewis había movido de su sello Jewel, como Bobby Charles, Cookie & his Cupcakes, y John Fred & his Playboy Band.

John Fred había hecho varios sencillos para Jewel con escasos resultados a nivel nacional. A partir del "Fortune Teller" / "Making Love To You" [Paula 225] John Fred continuó con cinco singles más sin repercusión en las listas de éxitos nacionales. Los singles, sin embargo, fueron radiados a nivel local y regional, y en el verano de 1967, John Fred and His Playboy Band estaban de gira por todo el sureste en universidades y bailes. Eran la típica banda que te gustaría tener en una fiesta de fraternidad (tipo Swingin' Medallions, también en el mismo circuito). John Fred y su colega miembro de la banda Andrew Bernard escribieron una canción llamada "Agnes English" [Paula 273], llena de trompetas, y con el misterio de una historia de espías ("with the lips I like to trace, to trace-uh"). En el verano de 1967, las cosas les iban bastante bien en el sureste, con gran éxito en ciudades como Washington DC, por lo que el grupo grabó un álbum [LPS 2197] del mismo nombre para continuar el éxito del single.

Uno de los cortes del disco fue una canción que Fred consideraba de deshecho. Él y la banda habían estado tocando en un pueblo de playa en Florida cuando obserban que las chicas en la playa estaban todas con grandes gafas de sol. Una chica en particular se veía estupenda hasta que se quita las gafas de sol... "Judy in Disguise (with Glasses)" narra esa anécdota con ironía usando un juego de palabras con "Lucy in the Skies with Diamonds" el corte de los Beatles que más se radiaba por entonces. Se divirtieron con la grabación, incluso pidieron prestado un sitar eléctrico para darle un enfoque más sicodélico metiendo unas pocas notas al final. Cuando el álbum promocional fue enviado a las estaciones de radio, los disc-jockeys extrajeron "Judy in Disguise" de inmediato. Al grupo no le gustaba particularmente la canción, y se sorprendieron cuando fueron prácticamente forzados a sacarla como su siguiente single [Paula 282]. Pero, como ellos dicen, aprendieron de ello a gustar mucho más, ya que finalmente llevaron a una canción de los Beatles ( "Hello Goodbye") al #1 nacional. Paula volvió a publicar el álbum con una nueva portada con el título Judy in Disguise with Glasses.

Los miembros de John Fred and His Playboy Band eran John Fred (vocalista), Andrew Bernard (saxo barítono), Ronnie Goodson (trompeta), Charlie Spinosa (trompeta), Jimmy O'Rourke (guitarra), Harold Cowart (bajo), Tommy DeGeneres (órgano), y Joe Miceli (batería).

John Fred and His Playboy Band haría varios singles más para Paula, pero no con el sonido bubblegum de "Judy con disfraz". Más bien, se sentían más cómodos con el blues-rock (ver la version de los Wildweeds "No Good To Cry"), que hacian realmente bien. El público, ávido de cursi bubblegum, no lo entendía, así que nunca repitieron su gran éxito. Su siguiente sencillo, "Hey hey Bunny" [Paula 294] sólo llegó al #57 a nivel nacional, aunque alcanzó el #11 en Shreveport. Después de unos años, John Fred pasó al area de producción de la empresa. Ha producido discos no sólo para Stan Lewis, sino también para su propia etiqueta RCS, donde sacó un álbum de la famosa vocalista de Nueva Orleans Irma Thomas. John Fred Gourrier murió el 15 de abril de 2005 a la edad de 63 años.

En 1967, un grupo llamado Five By Five, de Magnolia, Arkansas, firma con Paula. Eran la típica banda de versiones que tocaba en los clubes, haciendo temas de R&B bailable, tan popular en la época. Su primer single fue "Shake a Tail Feather" [Paula 261], publicado a principios de 1967 (aquí la original). Siguieron con "Harlem Shuffle" [Paula 283] ese mismo año (original). A pesar de que probablemente eran capaces de vender un buen número de copias a la gente que los veía en directo, no había mucho interés fuera de la región.

Pero en el verano de 1968, versionaron una canción, "Fire", del álbum de Jimi Hendrix Are You Experienced?. La discográfica de Hendrix ', Reprise, no lanzó la canción como single, Five By Five estaba suerte. La suya era la única versión en single que estaba disponible cuando la gente iba a la tienda preguntando por la canción. El single entró en las listas nacionales en noviembre de 1968 y llegando al # 52. Al igual que el grupo Sunshine Underground, que de igual modo llenó un vacío en lo que se refiere al "Birthday" de los Beatles, cuya versión centró la atención en el grupo, dandole sus 15 minutos de fama. Hoy en día, su versión de la canción es rara vez recordada, ya que ha prevalecido el original. Como banda de covers, fueron sin duda competentes y su álbum tiene demanda entre los coleccionistas, pero como mucho merecen una nota al pie en la historia del rock and roll. El grupo estaba formado por Ronnie Plants (cantante, guitarra), Larry Andrew (guitarra), Tim Milam (órgano, voz), Bill Merritt (bajo), y Doug Green (batería). Cinco sencillos adicionales (incluído 15 going on 20), todos sin éxito, y el grupo finalmente dio por terminada su andadura.
Su único lp tampoco tiene mayor trascendencia, pues no fué sino una recopilación de sus anteriores singles y pasó sin pena ni gloria. Se publicó en 1969 bajo el título Next Exit [Paula LPS 2202] con los siguientes temas:
Fire /Share Your Love /Fruitstand Man /Ain't Gonna Be Your Fool No More /Soul Man /She Digs My Love //Shake A Tail-Feather /Too Much Tomorrow /Nothing You Do /7 And 7 Is /Hush

Mac!!! conversa con los Cheyenes

2009-12-29T02:24:00.000-08:00

Charlamos con dos de los componentes de los míticos Cheyenes, los hermanos Vercher, Roberto, cantante y guitarra solista, y Joselín, bajo y coros. Joselín era el benjamín de los Cheyenes, un tipo simpático y vital. Como instrumentos de trabajo se servía del bajo Burns y amplificadores Vox Foundation y Vox T-60. Cuentanos alguna anécdota de la época en que os enrolasteis en ese proyecto musical, Joselín

Pedro Heredia, el hombre que nos consiguió nuestro contrato discográfico, estaba afectado por la polio y tenía grandes problemas a la hora de hablar. Medio tartamudeaba por la parálisis. Yo, que solo tenía 14 años y mucha mala leche, me partía de risa cada vez que él abría la boca, pero Heredia era un tío sin complejos, simpático y cojonudo, y no se mosqueaba conmigo ni me mandaba a la mierda por reirme de él, sino que le hacía gracia que un chavalín como yo tuviese tanto morro.
Los Cheyenes estábamos con RCA, y la compañía no tenía su propio estudio de grabación, así que ibamos más o menos de prestado e igual grabábamos en estudios de Barcelona que de Madrid.
Válgame la Macarena la hicimos en un estudio de dos pistas, cantando y tocando en vivo todos a la vez. Era todo muy rudimentario, con calidad, puesto que los técnicos de sonido tenían que buscarse la vida bajo esas condiciones tan precarias, pero, claro, no disponíamos de suficientes pistas. Esto mejoró más tarde, cuando pudimos grabar en magnetófonos de cuatro pistas. Nunca tuvimos un director artístico específico. En el estudio estábamos nosotros solos con el ingeniero de sonido.
La revisión que hicimos del You Know He Did, de los Hollies, la sacamos de una cinta pirata, que tenian unos amigos nuestros, de un concierto de los Kinks,que junto a los Rolling Stones era nuestro grupo predilecto. El año 1965 fue muy divertido. Aquí en Barcelona había un local en la Gran Vía, llamado Tokio, que disponía de dos salas y tocaban otros tantos grupos a la vez. El promotor era el conocido locutor de radio Arribas Castro.
Sí, es cierto que nuestras melenas creaban polémica. Por este motivo jamás pudimos actuar en TVE. En una ocasión nos llamaron para grabar un programa en los estudios miramar, de Barcelona, pero un cura que era censor de TV nos dijo que teníamos que recogernos el pelo. Nosotros le dijimos que ni hablar, no actuamos, y el asunto quedó zanjado de inmediato, pero pagamos las consecuencias y nos pusieron en su lista negra.
Despues de aquello, nuestra compañía montó una especie de simulacro de cortarnos el pelo en un programa de Radio Madrid: "El show de la 1". Vinieron varios peluqueros de renombre, e hicimos una parodia en plan vacile, pero nuestras cabelleras quedaron intactas. A la salida de Radio Madrid había unas 800 chicas esperándonos, se formó un follón de mil demonios y tuvimos que salir de allí escoltados por la policía. Finalmente llegamos a la suite que alquiló para nosotros RCA en el hotel Castellana Hilton, sin botones y con las chaquetas hechas trizas.

Roberto Vercher, hermano mayor de Joselín, era la cabeza visible de los Cheyenes, y compositor, junto a José María Garcés, de la mayor parte de los temas. Como instrumentos de trabajo, su voz, su guitarra Fender Mustang, y su ampli Vox AC-30. Su llamada a filas para realizar el servicio militar causó estragos en el grupo, que acabó desapareciendo tras dejar grabados cinco magníficos Eps. Cuentanos algo sobre esto, Roberto

El entrar en la mili fue un cambio radical para mí. Era como salir de un universo y meterse en otro. Yo llevaba el pelo largo, era conocido en todos los lugares, ya que la juventud sabía perfectamente quienes éramos, y de golpe y porrazo te cortan el pelo, ves como las personas que habían estado con tigo el día anterior no te reconocen y te encuentras con una imagen rota. Hice el campamento en el C.I.R. de Zaragoza, que, como era nuevo, vino a inaugurar el príncipe Juan Carlos. Al irme al servicio militar, Los Cheyenes continuaron con otro guitarrista, pero al poco tiempo José María Garcés y Ramón Colom tambien abandonaron.
En 1968, cuando pude regresar a la vida civil, volví a integrarme en el grupo. Entonces tocamos en sitios como Torremolinos, Zaragoza, y en una discoteca de Lloret de Mar, llamada Buenos Aires, que fue donde nos curtimos al iniciar nuestra carrera tres años antes, pero las sensaciones ya no eran las mismas, así que dejé la música y me fui a vivir a Alemania.
Los Cheyenes tenemos mucho que agradecer a Pedro Heredia. No tanto en la parte creativa, o escribiendo canciones, pero sí en nuestro lanzamiento y promoción, que, por cierto, hacía con mucha gracia, sabiendo vender perfectamente nuestra imagen y expresar nuestro mensaje al gran público.
En una ocasión en Palafrugell (Gerona), cuando estábamos a punto de empezar a actuar con el lugar lleno a reventar, al alcalde se le ocurrió prohibir nuestro concierto, alegando: "Con esos pelos estos tíos no tocan en mi pueblo." Para nosotros aquello fue una cosa fantástica, porque al cabo de un par de semanas media España se había enterado del estúpido veto y todo el mundo emitía su opinión, creandose una gran controversia. Pedro Heredia sabía manejar ese tipo de situaciones a la perfección.

En aquellos tiempos la actividad sexual de un grupo de rock era similar a la de nuestros días. Era muy facil ligar, tanto con españolas como con extranjeras, además te acosaban las fans y recibías montones de cartas con todo tipo de propuestas, pero, claro, había algunos músicos que tenian más aventuras amorosass que otros, dependiendo del caracter o de las motivaciones de cada uno.

En el estudio de grabación nunca tuvimos un director artístico o productor. Creo que, aunque un grupo sepa expresarse correctamente, siempre necesitará una visión externa de alguien que no esté tan involucrado como el propio interesado. En un principio yo usaba una guitarra Eko, italiana, que actualmente toca mi hijo. Luego me agencié una Fender Mustang, que es muy codiciada por otros músicos y a mí me prestó gran servicio. Todavía la tengo en casa. Nuestros grupos favoritos eran los Rolling Stones, Kinks, Moody Blues y los Animals, con quienes tocamos en el palacio de los deportes de Barcelona.

Mac!!! recomienda: Alex Big Voxx Man !!!

2009-11-26T04:21:00.000-08:00

La noche del sábado 28 de noviembre se presenta interesante, con el concierto de los Nomads en la sala Mardi Grass, y a continuación la pinchada del gran Alex Big Voxx Man en el FUZZ Bar. Seria una pena que os lo perdierais, si vais a estar en A Coruña por estas fechas

Mac's Freakbeat !!! Los Cheyenes

2009-11-04T08:45:00.000-08:00

Junto a los Salvajes, los Cheyenes eran los más bronquistas y macarras de toda la maravillosa jauría de bandas españolas de R&B. Arrancaron a finales de 1964 en el barrio barcelonés del Poble Sec, influídos hasta la médula por el sucio sonido guitarrero de The Kinks y The Rolling Stones, pero al cabo de un par de años desaparecieron de la circulación y no se volvió a saber nada de ellos.

El grupo lo formaban Roberto Vercher (guitarra solista y cantante), Jose Maria Garcés (gitarra de ritmo y coros), Joselín Vercher (bajo y coros) y Ramón Colom (baterista y coros).

Sus largas cabelleras llamaban poderosamente la atención en una España poco acostumbrada a tales extralimitaciones, en la que la doctrina del glorioso alzamiento nacional (o sea, del golpe de estado...) era asignatura obligatoria en todos los colegios del país. En tales circunstancias, los Cheyenes constituían un anatema sacrílego para la reserva espiritual de Europa, y un atentado contra la educación y las buenas costumbres que regían en aquellos días. En su corta andadura tuvieron que soportar durísimas censuras, pero tambien contaron con una vasta legión de seguidores que los adoraban por su innata rebeldía y su furia desatada. Parecía como si nunca iban a pasar por el aro, y no lo hicieron.
Fue el primer grupo de Barcelona en ensayar en el famoso guardamuebles de la calle Lérida, donde vivían 3 de ellos. Sus primeras actuaciones tuvieron lugar en el Pinar, donde a su vez arrancaron los Sirex y los Gatos Negros, logrando su contrato de grabación con la RCA a raiz de una presentación en un programa de radio emitido en directo.
Los Cheyenes ya habian intentado fichar con otros sellos radicados en la ciudad condal, como Belter y Vergara, pero fue Pedro Heredia, relaciones públicas de RCA, quien, tras oirlos en dicho programa, se fue a verlos tocar a un festival celebrado en el Palacio de los Deportes y les echó el lazo. El grupo, en vista de sus hasta entonces infructuosos esfuerzos por grabar, no puso demasiadas pegas a la hora de estampar su firma en los papeles.
Su primer disco fue un Ep publicado en 1965, en el que venía su tema estrella Valgame la Macarena, una especie de copla con tintes rockeros que desentonaba por completo dentro de un repertorio basado exclusivamente en un R&B compulsivo, no exento de buenas armonías vocales.Se trataba de emular el reciente éxito de los Brincos con Flamenco.

Además de este tema, firmado por Jorge Domingo e impuesto al grupo por la compañía, en ese primer Ep tambien se incluyó otra canción del citado autor: No me esperes, así como una versión en castellano de You Know He Did (de los Hollies), y Lloré por tí, escrita por los dos guitarristas, Roberto Vercher y Jose María Garcés. Si prescindimos de pretenciosas exquisiteces musicales, Valgame la Macarena hizo que los Cheyenes pudiesen entrar en el negocio del disco por la puerta grande, alcanzando el nº1 del hit parade, y que apoyándose en su imagen, tuviesen gran notoriedad en las revistas españolas de 1965.
Roberto, el mayor de la tribu Cheyene, solo tenía 18 tacos. Ramón, 17; Jose María, 16, y Joselín, 14. Eran casi unos niños...La suya era otra bonita quimera del romancero del rock.

(continuará)

Mac recuerda a Agnès Varda

2009-10-02T13:21:00.000-07:00

Agnès Varda, fotógrafa y directora de cine, nació en Bélgica el 30 de mayo de 1928. Estudió historia del arte en París, donde comenzó a destacar como fotógrafa, aunque su pasión por el mundo del cine la llevó a la dirección. En realidad nunca ha abandonado la fotografía.

Agnès es una gran desconocida, un diamante por descubrir, con una vida cargada de anécdotas, experiencias y originalidad. Desde sus comienzos, se rodeó de amigos que dirigían y actuaban en películas de la Nouvelle Vague (Nueva Ola) francesa. Un buen ejemplo de ello lo podemos encontrar en su película del 62 "Cléo de 5 à 7", con un simpático cameo de Jean Luc Godard y Anna Karina. Puedes verlo aquí.

Agnès fue la única mujer directora del movimiento Nouvelle Vague francés, y desde entonces nunca ha dejado la cámara. Se casó con el famoso director de cine francés Jacques Demy en 1962, y se mantuvieron unidos hasta la muerte de este en 1990. Vivieron una vida de mutua admiración y alguna separación temporal. Antes de la muerte de Demy, Agnès dirigió un conmovedor documental titulado "Jacquol de Nantes" sobre la vida de este, a punto de morir de sida en la vida real. Desde el Blog de Mac!!! queremos recomendar Les Parapluies de Cherbourg (Los paraguas de Cherbourg) realizada en 1964 y Les Demoiselles de Rochefort de 1967, sendos musicales dirigidos ambos por Jacques Demy en la decada de los 60, llenos de vivísimos y coordinados colores.

Pero no queremos desviarnos de nuestra jovial Varda, que con más de ochenta años sigue repleta de la vitalidad de una quinceañera. Se diría que es la abuela ideal con la que uno nunca se cansaría de jugar.

Mac!!! lo tiene claro: Las mejores películas de Varda son "La Pointe Courte", "Cléo de 5 à 7", "La Bonheur" y "Vagabond", aunque sin lugar a dudas nuestra favorita es "Cléo de 5 à 7".

En Cléo, Varda relata en tiempo real las experiencias de una bellísima y elegante cantante pop (Corinne Marchand) mientras espera con inquietud los resultados de una biopsia. Lo que nos ha enamorado de esta película ha sido la manera con la que Agnès retrata la ciudad de París en los años 60, un paseo en perfecto blanco y negro, con una visión única heredada de su mirada fotográfica, y con gran melancolía, al igual que los sentimientos de la protagonista. Aunque la película puede parecer sencilla, en realidad está dominada por planos complicados, en ocasiones ayudados por espejos para causar mayor impacto visual. Y es que a Varda le encanta utilizar espejos para crear diferentes perspectivas. Podeis ver el trailer de la película aquí

Para conocer mejor a Agnès Varda, recomendamos el reciente documental sobre su vida, dirigido por ella misma, titulado "Los Mares de Agnes". Para ver el trailer de este documental pincha aquí. En esta autobiografía, uno se da cuenta de que su autora es aun más bella persona que sus propias películas. De su vida, nos han llamado la atención las 4.000 fotografías que realizó de Fidel Castro mientras vivió en Cuba con Jacques Demy, su estancia en Estados Unidos en el 68, donde realizó el documental titulado "The Blank Pathers" y la película "Lions Love" con actores del musical "Hair" y Viva Superstar, una de las musas de Andy Warhol. Varda tambien dirigió a Gérard Depardieu y Jane Birkin entre otros.

Esta mujer sigue cargada de proyectos y rodeada de muchos amigos. En su 80 cumpleaños todos ellos decidieron ir a su casa portando una fregona cada uno... todavía me estoy preguntando ¡por qué! Pero, si algo está claro, es que con ella uno nunca se podría aburrir.

Mac's Eurobeat !!! Los Protones

2009-09-22T05:46:00.000-07:00

Escucha Si alguna vez

Escucha Desde que nací

Los Protones se unieron en 1964 y pronto entraron a formar parte de la hornada de grupos que sobresalieron en la nueva esfera musical española. Hay que destacar, por poco habitual en la época, que los cuatro componentes del grupo eran músicos de conservatorio, que se unieron tras finalizar sus correspondientes estudios musicales bajo el nombre de "el pequeño coro", nombre que pronto cambiarían por el que todos conocemos. Tocaban con asiduidad en las Fallas de Valencia (en El Foc y El Bunyol) y tambien en clubs de moda de la ciudad, como el célebre Xiquet's, que se encontraba en los sótanos del Mercado Central. Y durante el verano del 64 se movieron por los locales de la costa; fue en una de esas actuaciones donde casualmente Sara Montiel les vio y les echó el lazo, ofreciendoles un contrato para participar en el rodaje de la película La dama de Beirut, protagonizada por ella misma. Actuaron tambien, por ejemplo, en el Club Las Vegas, de Barcelona.

La banda la formaban Jose Antonio Ferandez Navarro, a la guitarra solista; Francisco Crespo Mas, al órgano y ritmica; Abel Mena Ponce, bajo; y Pepe Morato Tarazona, batería. Jose Antonio nació en Godella en 1944, estudió dibujo y música, creó una rondalla de la que era director y compositor, y un efímero grupo pop. Francisco nació en Cullera en 1948, y tocó el oboe en la banda de Santa Cecilia, así como en diversas agrupaciones. Abel (1945) formó parte de la Banda de Paterna, como clarinetista. Pepe (1946) era de Picasent; hijo y nieto de músicos, formó parte de la orquesta Jamaica antes de empezar con los Protones. Si nos fijamos en las fechas vemos que las edades iban de los 16 de Francisco a los 20 del mas "veterano", Jose Antonio.

El propio Francisco nos comenta de primera mano sobre los inicios del grupo: "En la clase de Historia de la Música me enteré que querían formar una tuna del Conservatorio. Me compré una guitarra y aprendí unos cuantos acordes. El siguiente recuerdo es en la escalera de entrada del Conservatorio y un pequeño grupo de estudiantes cantando. Después... que Jose nos lleva a su casa para escuchar un disco de un grupo que según él podía ser algo estupendo. Ni que decir que acertó plenamente. De inmediato nos pusimos a montar la primera de nuestras canciones. Fue Please please me. Jose (Antonio) era el que tenía entonces mas claras las ideas y fue quien comenzó el proyecto. El nombre del grupo fue idea de su padre."

Ya en 1965 firman con EMI y en mayo graban su primer disco con cuatro canciones propias, destacando "Mis Lágrimas". En abril de 1966 se publica su segundo y último Ep, con 2 canciones del grupo, y otras tantas versiones: Baby don't go (de Sonny & Cher) y Time is on my side (de los Rolling Stones). El grupo se disuelve cuando varios de sus componentes son llamados a realizar el servivcio militar, por entonces largo y penoso. ¡Cuantas buenas bandas hemos perdido por culpa de la dichosa mili! Una vez roto el grupo Abel y José se pasan a los Huracanes.

Escucha El tiempo es mi aliado

Escucha Eres un mal amigo

Escucha Marmol, piedra, hierro

Escucha No te dejaré

Mac's Eurobeat !!! Los Pepes

2009-09-10T15:02:00.000-07:00

Mac !!! fija su vista hoy en un interesante grupo valenciano, poco conocido y menos valorado (sobra decir que injustamente). Como ejemplo de esto, baste decir que su trabajo no ha sido NUNCA reeditado, ya sea en ediciones oficiales o piratas, lo cual da a los vinilos originales un valor añadido. Su calidad queda fuera de duda desde la primera escucha, podemos equipararlos al sonido de grupos más conocidos como los Cheyenes o paisanos suyos como los Protones o los Huracanes. Dominan tanto el beat, como el freakbeat o el garage.

Escucha No Juegues

Escucha Doors & Windows

El mercado discográfico de mediados de los sesenta era duro. Los grupos trabajaban largo tiempo en las salas de ensayo y tocando en cuantos clubs les fuera posible para ganarse una reputación y la oportunidad de acceder a grabar un EP. Solo unos pocos escogidos llegaban, despues de un tiempo, a la grabación de un disco de larga duración. ¿He dicho grabación? Más bien "recopilación" de los temas de los Eps ya publicados anteriormente. Simplificando la ecuación: 3 EPs de éxito = 1 LP (en el mejor de los casos).

Escucha Ya no hay tiempo

Pero Los Pepes son un caso único en España. Surgidos de la nada en 1966, se dieron a conocer con todo un Lp de 12 temas PROPIOS y NUNCA antes ni despues publicados en single o en ep. Repito, NADIE había osado antes a algo así, ni siquiera grupos de gran éxito como los Bravos o los Brincos.

Escucha Rindete

El contenido del Lp era, además, excepcional. Toda una obra maestra de garage beat que merecía mayor suerte, con el salvaje "por favor" al frente. Sin embargo no tuvo ninguna repercusión en la escena ye-yé de la época, ni siquiera en su Valencia natal, y pasó sin pena ni gloria.

Escucha Without You

Los Pepes tuvieron tiempo de grabar dos single y un ep en ese 1966, antes de desaparecer misteriosamente en la misma sombra de la que habían salido. En total 20 temas en menos de un año, casi todos propios, algo que tambien era bastante inusual, pues las compañías solian imponer a los grupos que grabasen alguna versión de un tema de éxito en la cara A de los discos, dejandoles incluir si acaso algún tema propio como relleno para la cara B.

Escucha El turista y la gachí

Nuestros enigmáticos amigos comienzan llamándose Los Singals. En 1966, cuando fichan por el madrileño sello Hit, ya se han cambiado el nombre. La casa Hit (Hito en los singles) era una compañía pequeña, propiedad del cubano Ernesto Duarte Brito, músico, arreglista y director de orquesta que se había trasladado a España en 1961 y que ya tenía experiencia en discográficas, porque fundó Gema en los cincuenta y ocupó un alto cargo en la RCA española. Bajo la dirección de Duarte, Los Pepes grabaron toda su obra. Como la distribución de Hit la tenía la Columbia, es posible que Los Pepes grabasen en algún estudio de esta casa, bien en Madrid, o bien en Barcelona, más apropiado para grupos modernos. El sonido de Los Pepes, tan pulido como avanzado, avalaría la relación con instalaciones profesionales de primera línea, aunque esto son solo conjeturas.

Escucha Rojo

Pero ¿Quienes eran Los Pepes? ¿De dónde surgieron sus componentes? ¿Tuvieron alguna ayuda en forma de producción, musicos de estudio...? Todo lo relacionado con este grupo es un misterio.

Mac!!! recomienda: Alex Big Voxx Man !!!

2009-08-18T12:17:00.001-07:00

Jueves 20 "Tú eres el DJ" Especial jueves del amor.
De 11 a 4:30.No os lo perdáis.

Viernes 21 ALEX BIGVOXX MAN y sus alegres garajadas. GARAGE,SURF,BEAT,R'N'R.
Abrimos de 00:00 a 4:30, sesión dj desde la 1.

Sábado 22 DJ residente Ricardo Fuzz.
Abrimos de 00:00 a 4:30, sesión dj desde la 1.

Fuzz bar

Esquina calle Trabajo con calle Independencia.

A Coruña

Mac's Old School !!! The Pepper Pots

2009-08-08T11:58:00.000-07:00

Esta reseña es para los amantes del american pop y del soul de grupos como Martha Reeves y las Vandellas, las Supremes o las Shangri-las, porque eso es exactamente lo que hacen estas tres mujeres desde Girona, inspirandose en los viejos discos polvorientos del clásico sonido Motown, Stax o Studio One. Su último disco, Now!, es todo un homenaje al sonido Detroit/Motown coincidiendo con el 50 aniversario de este mítico sello discográfico.

The Pepper Pots son once apasionados seguidores de la música negra de los años sesenta, que reproducen la estética de los grupos de la época y calcan el diseño de los vinilos. Moños con crepé, amplias diademas y minivestidos forman el atuendo de las cantantes Adriana Prunell, Marina Torres y Mercè Munné, que emulan el espíritu de las Ronettes. Los ocho músicos, que tocan con instrumentos antiguos, visten traje negro de finas solapas y estrechas corbatas.

Cuando empezó, el grupo se inspiraba en los orígenes del reggae y el ska jamaicanos, sonido que queda reflejado en su album debut Swingin’ Sixties (2004).
Después abrazaron el rocksteady en Shake It! (2007), un álbum que cuenta con la colaboración de los legendarios jamaicanos The Pioneers, el polifacético artista alemán Dr. Ring Ding y el combo de Ska francés ASPO. El disco se edita en Japón, y más tarde en Estados Unidos. Su salida en los dos continentes enlazó con exitosas giras de presentación en ambos.
Finalmente se rinden al soul en Now! (2009). Grabado en Girona y Nueva York, fue mezclado de forma analógica, “a lo vieja escuela, más allá de las tendencias retro de la moda”, y producido por Binky Griptite, guitarrista de la banda de Amy Winehouse y productor de su música, y parte del sello Daptone (nueva cuna del soul actual).

La relación con Amy Winehouse es evidente en su sonido, y en la producción. Si repasamos la discografía de Amy podemos apreciar que la evolución de ambos grupos curiosamente ha ido tambien de la mano, puesto que Amy tambien evolucionó del Ska/Rocksteady hacia un soul más puro. Aunque nuestras heroínas, en este caso, se ven mucho más saludables que ésta.
The Pepper Pots ha girado con éxito en Japón, Estados Unidos y toda Europa. Con más de 200 actuaciones, han hecho vibrar al público de todo el mundo: Tokio, Osaka, San Francisco, Los Ángeles, Berlín, París, Londres, Moscú, Helsinki, Viena, Verona, Praga, Berna, Barcelona, Madrid… y ha tocado en los festivales más destacados como el South by Southwest (Austin-Texas), 22nd SummerJam Reggae Festival (Cologne-Alemania), Rock for People (Hradec Králové - Rep. Checa), BAM Festival (Barcelona), Black Music Festival (Girona) entre otros muchos. Su éxito ha sobrepasado fronteras y les ha convertido en un referente en Europa.

Mac's Treasures !!! Mi generación

2009-07-26T09:29:00.000-07:00

Pocas bandas españolas de finales de los '60 / primeros '70 bebieron del estilo de la Costa Oeste norteamericana y de grupos de la era hippie como Crosby, Stills, Nash & Young, en una escena, la nuestra, dominada por la influencia de los mercados italiano, francés y británico (en este orden). Estos cinco tíos de los que vamos a hablar hoy fueron una excepción.

Todo el mundo conoce ahora el magnífico single de Mi Generación que incluye "Toma mi parte de felicidad" y, especialmente su cara B "Triste y solo", un tema que ha aparecido en varios recopilatorios (ej:Viñedos) y que ya es un clásico en allnighters y fiestas de guardar. El single original se vende hoy en ferias o en e-bay a partir de los 500€. Sin embargo fue un disco que pasó bastante desapercibido en su momento, a pesar de su calidad. Guitarras afinadas, hammond salvaje y unas armonías vocales más que dignas. El tema es una revisión de una composición del gran Graham Gouldman, autor ya conocido por los lectores del blog, que fue grabada originalmente por un experimento de este llamado Garden Odissey Enterprise para el sello Deram, con el título de Sad and lonely. La aportación de Mi generación al tema, que grabaron como ganadores de un concurso de pop de Sagunto, aparte de la adaptación de la letra al castellano, fue darle un ritmo más vivo y mucho más bailable y sustituir el piano original por un fantástico órgano. Para muchos es la versión definitiva y es un disco muy buscado por coleccionistas.

Además de este single, Mi Generación grabó un Lp en 1971 en el pequeño sello Palobal y un segundo single extraído del mismo. El sonido sigue en la onda de aquel primer sencillo: guitarras con ecos de la Costa Oeste americana, sonidos de Hammond progresivo, bonitas armonías vocales onda soft pop / CSN&Y, y buenas guitarras acústicas en la más pura tradición folk. Ni que decir tiene que ambos son extremadamente dificiles de conseguir hoy. La banda tambien trabajó como grupo de estudio en los LPs de covers "Sonido Eléctrico" y "Sonido acústico" del sello Joint.

Y por si fuera poco, el conjunto dejó una serie de temas grabados para un segundo Lp en 1972, que no llegaría a editarse en su momento pero que, afortunadamente, el sello barcelonés WAH WAH RECORDS ha publicado recientemente (35 años despues) para deleite de los amantes de ese estilo, en una edición limitada de 500 copias que incluye los 2 Lps y el single de Sad & Lonely.

Tambien existe un single del grupo madrileño Fortune Tellers, "She´s My Pride", que incluye una adaptación de Triste y Solo en su cara B.

Toma tu parte de felicidad

Maggie

All right now

You've got to hide your love away

Mac!!! cuenta la historia de Los Seeds

2009-07-17T13:03:00.000-07:00

Los Seeds, de Los Angeles, solo tubieron un top-40 en toda su carrera, la primitiva, super fuzz, y electrizantemente llevada por el organo "Pushin' Too Hard", que alcanzó el #36 en las listas de singles a comienzos de 1967. Nunca tubieron un album que clasificara mejor que el #87. Ninguno de sus componentes consiguió despues de irse ningún éxito mayor que ese o cualquier tipo de reconocimiento. Pocos párrafos se han escrito sobre ellos en los libros de historia.

Pero los Seeds representan un tiempo y un lugar casi como ninguna otra banda de su era, por eso, nosotros y sus numerosos fans, creemos que merecen un lugar en la historia.
Desafortunadamente, "Imbécil" , "tonta", "simplona" o similares han sido las palabras mas utilizadas por los criticos para definir a esta banda. Nunca pretendieron ser genios. Algunos dicen que Saxon, su cantante, es solo un burdo imitador de la técnica vocal de Mick Jagger. A primera vista, los Seeds son una estoniana banda de garage con un desdibujado sonido de órgano barato. Daryl Hooper tocaba simplistas riffs de organo una y otra vez, a veces subiendo una octava, otras bajando. No tenian bajista: fueron pioneros en utilizar el órgano como un bajo, enfoque que los Doors, tambien de L.A., adoptarían un año más tarde. El trabajo de guitarra de Jan Savage era una exaltación continua del sonido fuzz y de los efectos. Raramente se complicaba con más de tres acordes, a veces le bastaba con dos. La cualidad vocal del cantante Sky Saxon ponía el toque punk con esa sonoridad fuerte, estrangulada, nasal. Nunca podrían haber hecho nada glamuroso. Sus letras eran repetitivas, principalmente sobre sexo y drogas, lucían cabellos largos y vestian desaliñados. En resumen, los Seeds poseian la esencia sonora de una verdadera anda de garage. Salvo por un detalle: Ellos no grababan en un garage. Durante un año más o menos fueron una de las bandas más calientes de la fertil escena de Sunset Street y tubieron acceso a algunos maravillosamente buenos estudios de Hollywood. Su discográfica era lo uficientemente pequeña, lo suficientemente enrollada, o quiza lo suficientemente ingenua para dejar a los Seeds hacer sus discos sin apenas interferencia. El resultado fue una banda de garage con una sustancial carga de trabajo y los mejores medios técnicos del momento a su disposición.

La historia de los Seeds es la rocambolesca odisea de un joven de Utah que se convirtió en Sky Saxon, lider de la banda más ruda, significativa, primitiva (casi cavernícola), y abiertamente aficionada a las drogas, de America. Para luego meterse de cabeza en una secta autoproclamandose gurú Sunlight Saxon. Una historia que solo podría suceder en Hollywood.

Richard Marsh nació en Salt Lake City, Utah en 1945. A los 18, se traslada a Los Angeles, y se mueve por Hollywood, arreglándoselas para conseguir tiempo en estudios y editar 6 singles de R&B bajo diferentes nombres entre 1963 y 1964. Pronto cambia su nombre a Sky Saxon. Primero forma una banda de surf y blues junto a Jan Davies, pero nunca terminó de funcionar bien. Se llamaba, como no, Sky Saxon and Jan Davies. Posteriormente llegaron los Vikings y todo fue mejorando. Hollywood se estaba animando en 1964. Capitol records había cosechado un enorme éxito económico gracias a los Beatles, y estaba propagando esa riqueza. Había estudios por todas partes. Como tantos otros recien llegados a Los Angeles, Marsh fantaseaba con pegar fuerte y llegar lejos... Ninguno de esos singles llegó a ningún lado, aunque produjeron cierta impresión en alguna gente. Luego desperdició su tiempo en un par de bandas de garage de L.A: the Soul Rockers y the Electra Fires. Una vez más, no estaban destinadas al éxito. Sin embargo, Saxon, eufórico, tenía la sensación de que iba a convertirse en una estrella, aunque para ello necesitaría la ayuda adecuada. Impertérrito, el joven Marsh contesta a un anuncio colocado por Savage, Hooper y el batería Rick Andridge buscando un frontman. Era el año 1965. La cosa cuajó y los Seeds comenzaron a funcionar. Primero como Saxon and The Seeds y más tarde Sky Saxon and The Seeds. Tras varias salvajes actuaciones por la zona, firman contrato con Gene Norman Presents, para ser distribuidos a través del sello local Crescendo. El colorista productor Marcus Tybalt se puso a trabajar. Rapidamente graban 2 albumes repletos de material que salen casi uno detrás de otro en 1966; The Seeds y A Web Of Sound.

The Seeds es un album de temas punk, al estilo del recopilatorio Nuggets, todos en el rango de los dos minutos y medio. Su single "Pushin' Too Hard" está considerado por mucha gente una de las grandes canciones de garage de mediados de los 60s. Fuzz hasta el extremo, con Saxon desgañitándose, estrangulando la voz deliveradamente, Savage haciendo bailar a la guitarra, Hooper inyectando energía con un órgano tipo Zombies (discutible), y Andridge aporreando por detrás. Condensa todas las cualidades que un temazo punk debe tener. El resto del disco es más de lo mismo; crudo y abrasivo, confuso y lisérgico, simplista y sin pretensiones. A veces, el album se te antoja un poco demasiado de lo mismo; la banda realmente tiene un mismo enfoque esencial para todo. En algunos círculos The Seeds es considerado el primerísimo album punhecho nunca; Iggy and the Stooges es posible que hallan sacado una cosa o dos de su escucha. "Pushing Too Hard" fue un gran éxito local, y eso que the Seeds compartían escena con otras bandas de L.A. como The Doors, The Byrds, Love, y Buffalo Springfield. A nivel nacional, rebasó el top-40, llegando al #36. Saxon estaba entusiasmado con el éxito, lo consideraba un gran tema de rock’n’roll, aunque le gustaba mucho más la cara b, “Out of the question”. Un segundo single, "Can't Seem To Make You Mine", un tema más lento pero con la mísma textura sonora básica que su primer single, alcanzaba el puesto #41. El tercer sencillo tubo menos compradores, quedandose en el puesto #132. Fue una impresionante muestra de a donde podía llegar una edición de un sello pequeño,y GNP se apresuró a lanzar A Web Of Sound en meses.

A Web Of Sound está considerada la ópera magna de los Seeds. En una primera escucha, no suena muy distinto a su debut; guitarras fuzz, rudimentarias melodias de organo, el gruñido de Saxon... Sin embargo, la banda ha absorbido algo de ese sonido flower power que despuntaba por todas partes en esos días, particularmente raga rock y guitarras sicodélicas. Los chicos andaban bastante drogados por esos días. El resultado es el punk del debut con una capa hipnotica de sicodelia. El órgano de Hooper se hace languido e induce al trance, como en el single "Mr. Farmer", titulo que retrata a un cultivador de semillas pero "de otra variedad". "Up In Her Room" nos lleva a 11 minutos de peripecias amatorias de Saxon, con Hooper atrapado con su órgano en un bucle y Savage tocando el mismo riff una y otra vez. Nada suena indulgente, todo se nos presenta como sincero. Marcus Tybalt contribuye con unas notas sin desperdicio.

"Mr. Farmer" fue censurado en la mayoría de las estaciones de radio por su implicación en el tema de la droga, y se quedó en el puesto #86, aunque fue otro gran éxito a escala local. Los tiempos estaban cambiando deprisa. Con la llegada del "Summer Of Love" en 1967, la sicodelia y el flower power habían alcanzado su punto álgido. Los Seeds parecían mudar de piel, y abandonar esa imagen de tipos duros para convertirse, casi, en unos comeflores. El ácido comenzaba a hacer de las suyas. Saxon sintió esa oportunidad y la banda evolucionó hacia la sicodelia. Dado su gran éxito local y sus dos temas de éxito que rozaron el top-40, GNP Crescendo les dió gustosamente la oportunidad de hacerlo.

Future, editado en el verano de 1967, fue el intento de Saxon y los Seeds de adentrarse en el incipiente movimiento del rock progresivo. Sus contemporaneos de Sunset Strip , the Doors y Love estaban dejándoles atrás. El single de presentación, "A Thousand Shadows" es otro tema fuzz al estilo de "Pushin' Too Hard", pero el resto del album da paso a una extraña busqueda de sonar complejos. Las complejidades comienzan con la portada del album. La música es lo que es; los escarceos de una banda de tres acordes a la que se le permitió campar a sus anchas en un buen estudio con la compañía corriendo con el gasto. Como tal, hay un halo bizarro impregnando este album, desde su curiosa e inverosimil colección de efectos de sonido e instrumentos exóticos, hasta la ultimamente encantadora e inocente forma de tocar, cantar y expresarse. "A Thousand
Shadows" llegó al #72, y Future fue el disco más vendido de los Seeds, alcanzando el puesto #87.

La idea de Future era la de un disco conceptual, al estilo del "Sgt Pepper's Lonely Hearts Club Band" de los Beatles, con flautas, tubas y cellos. Querían añadirle una orquesta y trabajar mucho más todo el fondo sonoro, pero Crescendo no tenía demasiados recursos para compartir esa visión musical y el disco nunca estuvo bien acabado. Según el propio Saxon, se habría necesitado otra semana de mezclas antes de que saliese a la venta.

Jim Morrison y los Doors, Arthur Lee y Love, The Four Seasons y grupos de la British Invasion como los Kinks y otros muchos fueron teloneros de lujo para los Seeds en esos años. A lo largo de este tiempo, la banda mantubo un alto perfil en la zona, e incluso hicieron un cameo en la peli de agitación juvenil Psych Out, protagonizada por Jack Nicholson y dirigida por Roger Corman. GNP Crescendo intentó de nuevo hacer caja, esta vez promoviendo la fama local de la banda como espectáculo en vivo. Raw & Alive: The Seeds in Concert at Merlin's Music Box fue lanzado a finales de 1967. Mientras se capturaba a los Seeds en vivo, el rumor de la audiencia estaba un nivel muy alto. Como resultado, la escucha no es demasiado limpia. Sin embargo, resulta una revelación. "900 Million People Daily All Making Love" es un texto de los Doors. La mutua influencia entre ambas bandas queda explicitada. "Satisfy You" es el "Satisfaction" de Saxon.

Al finalizar el "Verano del Amor" con la resaca y el bajón de las drogas, los Seeds parecían hundirse en el fango. Sus actividades durante 1968 fueron oscureciendose. El batería Andridge dejó el grupo. El guitarrista Jan Savage tambien partió, para finalmente unirse a la Policía de Los Angeles. Saxon y Hooper se reagrupan en otro intento de alcanzar la inmortalidad, esta vez en el inverosimil papel de bluesmen. A Full Spoon of Seedy Blues fue editado en 1968, con las notas de Muddy Waters, quien debería haber cobrado un royalty por ello. El Blues estaba siendo el redescubrimiento del momento, y Saxon, quizá sintiendo que sus oportunidades se estaban escapando, se tiró en picado, llevandose a Hooper con él. Este es el único album de los Seeds que no suena como "Pushing Too Hard", y ni siquiera está firmado por los Seeds, sino como Sky Saxon's Blues Band. Sin complejos, versionan el "Plain Spoken" de Waters con reverencia, y hacen un par de temas de Luther "Guitar Jr." Johnson. Las originales de Saxon no son vergonzosas, pero ningún aficionado al blues llegaría a tomarselas en serio y,tras el fracaso del disco, GNP dejó ir a los Seeds. Saxon y Hooper intentaron probar suerte con otro sello y MGM les dió una oportunidad. Ironicamente, MGM estaba ocupada en excluir artistas que flirtearan con las drogas o su imagen. Pero por alguna extraña razón los harapientos seeds acabaron allí. Como The Seeds, grabaron algunos cortes, y editaron un par de singles en 1970, sonando un tanto en la estela de Steppenwolf, aunque estubieron a punto de desestimarse. El fiel Hooper acabó llamando un día, pero Saxon no contestó. Entonces quiso lanzar un último single, bajo el alias The New Seeds en 1972 en un sello casero, pero fue un gesto vano. Intentó hacer cosas con el ex-guitarrista de Steppenwolf, Mars Bonfire, cuando experimentó un profoundo cambio.

Saxon se vió inmerso en una secta llamada "Ya Ho Wha", formada en 1969 en el area de Los Angeles por uno de los más excéntricos freaks del momento, un beatnik carrozón llamado Jim Baker quien se creía a si mismo un Dios y se hacía llamar Father Yod. Podemos decir que este punto es el final de los Seeds como respetable banda de garage y el inicio de las descabezadas peripecias y excentricidades de Saxon. Todo un ejemplo de hasta donde puede llevarte un mal viaje... En palabras del propio Saxon, el sonido post-Seeds es "más cosmic rock’n’roll. Para comprender mejor este sonido hay que consumir un poco de ácido, pues tomar ácido es como la biblia. He grabado muchos discos que la mayoría de la gente no ha escuchado sobre la manera de llegar a Dios. Mis discos sobre la búsqueda de Dios serán apreciados más tarde, cuando retornar al cielo signifique más que ser prisionero del planeta".

Bajo esta influencia, grabó con la banda de la secta, que tubo distintos nombres como Source, The Savage Sons of Yahowha, Yodship, Fire Water Air, Spirit of 76... Estos discos poseen un sonido extremo sicodélico, con empleo de ritmos tribales y guitarras distorsionadas de manera deliveradamente infantil, todas recogidas en vivo y sin ningún tipo de añadido, edición o diseño. El nucleo de los músicos era siempre el mismo: Djin Aquarian a la guitarra, Octavious Aquarian a la batería, Sunflower Aquarian al bajo y, con frecuencia, Sky Sunlight Saxon. Tras la muerte de Father Yod en 1974, Sky Sunlight Saxon se retira por completo de la sociedad, trasladándose a Hawaii, donde vive como un gurú siguiendo los dictados de sus nuevas creencias.

Saxon vuelve a hacer su propia musica en 1976, con un disco casero, Sunlight & The New Seeds. Algunos discos más aparecen, solo disponibles por correo. En 1978 revienta, pues se encuentra completamente perdido y desubicado, siendo una de las más tristemente famosas victimas del ácido en los 60. Pero en los 80, sin embargo, toda una nueva generación ha descubierto el crudo divertimento punk de los Seeds, y el sello britanico Psycho le anima a volver en 1984. El album Starry Ride, le asocia a Mars Bonfire, y a miembros de Iron Butterfly y Fraternity of Man. Saxon y Bonfire se convierten en pareja de compositores, y juntos forman un grupo llamado Firewall en 1986, cuyos dos albumes y tambien los directos cuentan con invitados de la escena neosicodélica y revival de L.A. Grupos como the Dream Syndicate y The Plimsouls. El renacimiento de Saxon continua hasta 1991, cuando vuelve a Hawaii. Hace apariciones esporádicas con varias versiones de los Seeds a finales de los 90, pero no sale nada nuevo hasta Red Planet, firmado por Sky Saxon and the Seeds, en 2004.

Con los Seeds, el principiante necesita saber donde se está metiendo. Si ya te gusta el garage de los 60, escucha The Seeds y A Web Of Sound. Sin duda es lo mejor. Future es más para fans de la sicodelia, completistas o amantes de los dos primeros albumes. GNP Crescendo, para quien los Seeds son su único pan en estos días, se ha negado rotundamente a ofrecer licencias para un recopilatorio, por eso es dificil encontrar alguno. Evil Hoodoo (Drop Out 1988) es el mejor, si puedes encontrarlo. El resto del material que hemos comentado aquí es solo para freaks.

Mac!!! recomienda: Alex Big Voxx Man !!!

2009-07-14T13:50:00.000-07:00

El próximo jueves día 16, sensacional pinchada con Alex Big Voxx Man !!! en la sala Mardigrass de A Coruña. Será a partir de las 00:30h. Garage a Go-Go, R&B, Beat y Surf... Si eres de los que están sedientos de ritmo y buena música, no lo dudes: A bailar y a disfrutar al Mardigrass con Alex Big Voxx Man !!!

Mac!!! en catalá: Els Dracs

2009-07-03T18:59:00.000-07:00

Presentamos, en esta ocasión, a un grupo originario de Molins de Rei (Barcelona), caracterizado, además de por su potente sonido beat, por haber grabado su repertorio casi integramente en catalán, su lengua natal, en unos tiempos "dificiles" debido a la omnipresencia del dictador Franco.

Els Dracs, capitaneados por el poderoso cantante Jordi Carreras, fueron un sexteto que trabajó con relativo éxito entre 1964 y 1971, llegando a publicar cuatro EPs. Su mayor éxito fue La casa del sol naixent, versión de la canción tradicional americana The house of rising sun, adaptada por The Animals, y que fue número 1 de ventas de la compañia discográfica Concèntric. Estaban entre los llamados "conjuntos de música moderna", que solian actuar en las radios y en los famosos conciertos matinales, en los cuales se compartía cartel con muchos otros grupos. Otro tipo de actuaciones eran los "bailes": "Cuando hacíamos baile, cantábamos en inglés, en castellano y también en catalán, porque lo que interesaba era que la gente bailara. Cuando hacíamos un concierto, nos dedicábamos a nuestro repertorio, que casi todo era en catalán" (Vicenç Carós, batería del grupo). Els Dracs fue el primer grupo de rock en catalán que tocó en el Palau de la Música Catalana. Su repertorio estaba formado por versiones de The Animals (És la meva vida, Comprensió), The Beatles (No contestà ningú), Donovan (Colors), Yardbirds (Un cor fet d'amor), Adamo (Quan) o incluso alguna canción popular catalana (Visca la Patum).Curiosamente, la única canción que podía haber estado escrita por Els Dracs, según aparece en los créditos del disco, Et trobaré (1967), suena igual que Daddy buy me a girl, de los holandeses Golden Earrings, editada un año antes...

Concèntric surge de una escisión de Edigsa en 1964. La compañía fue fundada con la misma intención que su predecesora: conseguir la normalización del uso del catalán a través de la música. Por ese motivo, además de editar títulos pertenecientes a la Nova Cançó i a Els Setze Jutges, de influencia francesa y mucho más intelectualizados, promovieron a jóvenes músicos que bebían de la música anglosajona (calificada de imperialista por los más engatgées), en el rock, en el pop y el folk americano, de los que destacan Els Dracs, Eurogrup, Pau Riba, además de Lluís Llach, Tete Montoliu y Maria del Mar Bonet, entre otros. Concèntric fue presentado como sello discográfico mucho más innovador que Edigsa, demasiado rígido para el público más joven. Las adaptaciones al catalán de los éxitos de Animals o Yardbirds iban a cargo de Ramon Folch i Camarasa. Precisamente el éxito más importante de la compañía fue La casa del sol naixent, interpretada por Els Dracs y de la cual se vendieron muchos discos.

Un raro Ep se publicó con versiones, esta vez en castellano, de Boom Boom, Kansas City, En tus brazos y Carol, en el pequeño sello ALMA. Quizá sean los temas más difíciles de conseguir. Si alguien sabe cómo encontrarlos, agradecería mucho esa información. Tambien existe un LP del año 1981 donde se recogen los doce temas grabados en tres EP anteriores. Se publicó con la refrencia EDIGSA 01L0170:

És la meva vida (It's my life, R. Atkins-C. D'Errico)
Només pensava en tu (You were on my mind, Ficker)
Colors (Colours, Donovan)
Quan (J'aime, Adamo)

Sota el cel plujós (Walkin' in the rain, Brian Bradley)
Un bon amic és excel·lent (Un ami ça n'a pas de prix, G. Aber-L. Greco)
No contestà ningú (No reply, Lennon-McCartney)
La casa del sol naixent (The house of rising sun, Alan Price)

El joc de l’amor (the game of love) G. Ballard, Jr.
La nit (La nuit) S. Adamo
Un cor fet d’amor (Heart full of soul) G. Gouldman
Comprensió (Don’t let me be misunderstood) B. Benjamin

Visca La Patum!
Et trobaré
Es ella (My Girl)
Visca l’amor (Vive l’amour)

Mac!!! loves Sky Saxon

2009-06-27T07:07:00.000-07:00

Hace algunos días, mientras las hogueras ardían en la noche más corta, celebrando el final de otro ciclo solar, la llama de Sky Saxon se apagaba en silencio. Mac recoge la semilla y te muestra todo su respeto. Como en este segundo video, tú tambien estás vivo. Nos abalanzamos hacia tí y te adoramos ...

Mac's Eurobeat !!! Les 5 Gentlemen

2009-05-25T03:43:00.001-07:00

Les 5 Gentlemen son una formación francesa de garage/freakbeat. Son originarios de la isla de Córcega, aunque pronto se instalarán en Marsella. Se dieron a conocer con el nombre de Les Ambitieux, pseudónimo bajo el cual grabaron un primer Ep en 1965 con la discográfica Columbia. El grupo lo formaban Jean Fredenucci al bajo y voz, Claude Olmos a la guitarra solista y coros, François Paoli, guitarra de acompañamiento, coros y pandereta, Guy Matteoni a los teclados y Michel Donat a la batería.

En 1966 cambian su nombre a Les 5 Gentlemen, fichando por el sello Riviera. Bajo este nombre grabaron 5 Eps entre 1966 y 1967, obteniendo un modesto éxito comercial en Francia con el título "Dis-nous Dylan" (dime Dylan). Ello les permite realizar una gira e intentar lanzarse al mercado internacional. Graban su éxito "Dis-nous Dylan" con letra traducida al italiano y al inglés, lanzándolo en estos paises como cara A de un single bajo el nombre de Darwin's Theory, aunque sin llegar a conseguir el éxito deseado fuera de su pais. No obstante "Tell me Dylan" llegó a ser versionada por el grupo americano de garage The Sandals.

Temas originales, letras muy divertidas y una imagen mod propia de Carnaby Street hacen de ellos una formación muy interesante. Fueron un grupo poco valorado en su época, quizá por carecer de un lider sólido en un mercado (el francés) dominado por los solistas (Dutronc, Ronnie Bird) frente a los conjuntos. Actualmente, sin embargo, los admiradores de la música mod y de garage de esa época han sabido situarlos en el lugar preferente que merecen. Prueba de ello son los numerosos recopilatorios que les incluyen: Gentlemen De Paris, French Cuts, The Atomic Café, Club Au-Go-Go, etc

Mac!!! recupera: Lone Star en Jazz

2009-05-03T14:37:00.000-07:00

En el año 1959, Pedro Gené, músico de Conservatorio, decide irse a Inglaterra donde vivirá la eclosión del Rock and Roll. Tras un año de estancia en aquel país vuelve a España con la idea de formar un grupo de Rock.

Busca entre sus antiguos compañeros de estudio y nace la primera formación: Rafael de la Vega -bajo, Enrique López -batería, Enric Fuster -piano y Pedro Gené -voz y guitarra.

Pedro, muy influenciado por el Blues sureño, le pone al grupo el nombre de Lone Star. Se puede pronunciar sin grandes esfuerzos, no es necesario decir "Los", y por otra parte es el nombre indio del muñeco que será la mascota del grupo los primeros años.

Empiezan las primeras actuaciones.
Los bolos no existen todavía y lo que hay es el trabajo a diario en salas de fiestas y boites. Una noche, actuando en el Texas de la Plaza Real de Barcelona se les acerca un holandés de nombre Willy Nab. Sube al escenario con su guitarra y toca un par de temas con el grupo. Willy será el quinto componente de LONE STAR.
EMI, ( entonces la Voz de su Amo ) se interesa por el grupo y se graba el primer disco. Un EP, del cual destaca "My Babe", el primer Rock en inglés grabado en España. Estamos en el año 1962.
LONE STAR sigue grabando EP's pero ya como cuarteto ya que Enric Fuster deja el grupo.

Aparece el sexto EP y LONE STAR da la primera campanada: "La Casa del Sol Naciente", es numero 1 en Venezuela y luego en el resto de Sudamérica.
Más tarde lo será en España, lo que propicia un encuentro LONE STAR - THE ANIMALS en un céntrico hotel de Barcelona. En este disco Juan Miró sustituye a Willy Nab que deja el grupo. Desde el primer disco se había llegado a un acuerdo con EMI: LONE STAR grabaría versiones, que es lo que quería la compañía, a condición de que el grupo pudiera escoger los temas, hiciera su propia adaptación, letra y arreglos. Y llegó "Comprensión", otro éxito de ventas del grupo.

Estamos en el año 1965.
Es entonces cuando se gana la segunda batalla. Se llega a un nuevo acuerdo con EMI: LONE STAR grabará su primer álbum, pero mitad versiones y mitad canciones propias. Es aquí donde entra Alex Sánchez en el grupo sustituyendo a Joan Miró. El LP se titula "Antología de un Conjunto". De este disco destacan "La leyenda" y "Río sin Fin". La formación es ahora: Pedro Gené, Alex Sánchez, Rafael de la Vega y Enrique López.
Año 1966.
Este disco fue crucial porque la creatividad del grupo empezó a ganar enteros y EMI entendió que debía dejar que LONE STAR grabara sus propios temas.

Paralelamente a las actuaciones de Rock el grupo se desdobla en una formación de Jazz. Juan Miró sustituye de nuevo a Alex Sánchez en la guitarra. Hay dos conciertos de Jazz que marcarán un hito en la historia puesto que en aquella época no había ningún grupo de Jazz estable en el país.
El primer concierto será en el "San Carlos Club" de Barcelona y el segundo, con todo el papel vendido tres días antes, en el "Teatro Beatriz" de Madrid. El concierto constará de Jazz en la primera parte y en la segunda de Rock con temas propios y acompañamiento de orquesta. La Dirección General de Cultura Popular incluye a LONE STAR en Festivales de España. Recorrerán el país repitiendo el mismo concierto del "Beatriz". En el año 1968 el grupo graba "Lone Star en Jazz". Destacan "Misty", y "El cant dels ocells". Los EP's ya han quedado atrás, han sido arrinconados por los singles.

Ese mismo año el grupo graba un single con la que será su canción más emblemática: " Mi Calle". Otro single de gran éxito es "Lyla", junto con "Mi Calle", los dos temas más vendidos de LONE STAR. Pedro Gené es designado por TVE para ir al Festival de KNOKKE como representante de la música Rock de nuestro país. Allí junto a otros profesionales, consigue la copa de Europa para España.

El single "La Trilogia", obtiene el premio de la SGAE como mejor tema el año. Estamos en 1969. Enrique López deja el grupo y entra a la batería Luis Masdeu. LONE STAR realiza un Tour por Centroeuropa, Zurich, Munich, Ginebra, etc. De los conciertos de estas ciudades surge el LP "Spring 70", todo grabado en directo y en inglés.

En el año 1972 LONE STAR graba un single en el que los dos temas funcionan a cual mejor: "Chica Solitaria" y "My Sweet Marlene". Rafael de la Vega deja el grupo y entra Sebastián Sospedra al bajo. Seguirá otro LP: "Es largo el camino", del que destacan, "Pájaro de Fuego" y "Nathalie".
Y llega el álbum más vendido del grupo: "Adelante Rock en vivo", grabado en directo de una sola toma en un estudio de Barcelona. Ese año LONE STAR da un sorprendente concierto en el portaaviones JOHN FRITGERALD KENNEDY. Luis Masdeu deja el grupo y entra a la batería Tapi.

Pero el recital más importante en la carrera del grupo se da en el Palau de la Música de Barcelona.
La dirección del Palau se ha mostrado reticente a que ningún grupo de Rock o ni siquiera ningún tipo de música que no sea clásica suene en la sala. LONE STAR rompe ese molde y da un recital antológico con Jazz, Música Clásica y Rock. Este recital coincide con la aparición del single "Pobre pescador". Este disco ya aparece con el sello DIRESA después de que el grupo rompa con EMI, que aparte de editar los discos bien poca cosa ha hecho, ya que los eventos importantes siempre han sido iniciativa del grupo. Estamos en 1974 y con DIRESA se viven tiempos de gran promoción.

LONE STAR recibe varios premios que le acreditan como el mejor grupo nacional. Pero el affaire DIRESA acaba mal. El gerente de la compañía resulta ser un mafioso que huye con el dinero. LONE STAR se queda sin compañía y sin cobrar royalties. Juan Miró deja definitivamente el grupo y entra de nuevo Alex Sánchez. En el año 1975 LONE STAR ficha por DIPLO RECORDS, un sello independiente. Tapi, y Sebastián Sospedra dejan el grupo. Son sustituidos por Luis Masdeu de nuevo, y Ricardo Acedo.
Aparece el single "El Camino" y se graba un nuevo LP: "Síguenos", del que destacará otro gran éxito "La oveja negra". Año 1976. En 1977 LONE STAR firma por PHONIC, y graban el LP "Horizonte", del cual destacan los temas "¿No será?" y "Horizonte".

LONE STAR y Eric Burdon reúnen a 120.000 personas el la recta de Montjuich en Barcelona. Es un concierto memorable organizado por el PSUC en "La Festa del Treball". Año 1982. El mundo de la música electrónica empieza a pegar con fuerza y el Rock queda relegado a un segundo termino. Las grandes compañías de discos se centralizan en Madrid, y en Barcelona solo quedan algunos sellos independientes con poca fuerza. Son tiempos difíciles. LONE STAR ficha por AUVI y graban "Viejo Lobo", para algunos su mejor disco, el mejor grabado y el de mejor producción. Se han cumplido 25 años de lucha, de carretera, y a veces de supervivencia. Se impone un merecido descanso.

Mac recuerda a los Artwoods

2009-04-11T01:08:00.001-07:00

Los Artwoods se forman en 1963 y durante los siguientes 2 años trabajan duro para convertirse en un espectáculo en vivo extremadamente popular, rivalizando con grupos como los Animals, aunque, a pesar de lanzar un puñado de singles, un Ep (Jazz In Jeans) y un album (Art Gallery), sus ventas de discos nunca reflejaron esa popularidad. El único single en listas fue I Take What I Want en 1966, una versión de una canción de Sam & Dave.

La banda se ganó una reputación como la banda de R&B que más duro trabajaba en el circuito. La puesta en escena consistía tanto en standards de blues de Chicago como en material original. El cantante Arthur Wood, de quien el grupo tomó su nombre, era el hermano mayor de Ronnie Wood (Birds, Rolling Stones). Había sido vocalista con Alexis Korner Blues Incorporated durante un corto periodo en 1962, encabezando simultaneamente su propio grupo, The Art Wood Combo. Cuando el teclista Jon Lord (Bill Ashton Combo) y el guitarrista Derek Griffiths vinieron procedentes de los Red Bludd's Bluesicians se rebautizaron a si mismos como The Artwoods. Keef Hartley había tocado anteriormente con Rory Storm & The Hurricanes, donde reemplazó a un tal Ringo Starr, y con Freddie Starr and the Midnighters. Pues bien, cuando Keef se incorporó a la batería en el '64, la banda se volvió profesonal, asegurando su residencia en el 100 Club y ganando un contrato para grabar con Decca.

El proyectado sencillo de debut, una version del "Hoochie Coochie Man" de Muddy Waters fue descartado en favor de un vieja canción de Leadbelly, "Sweet Mary". Aunque no subió a las listas sonó lo suficiente para traerles un montón de trabajo en directo, incluyendo una aparición en la primera edición en vivo del 'Ready, Steady, Go!' (Originalmente los grupos hacían play-back pero, con el tiempo, se comenzaron a hacer actuaciones en vivo. The Artwoods tocaron en el primer Ready Steady Goes Live. Tom Jones interpretó en play-back It's Not Unusual en el show. The Kinks y Donovan tocaron en vivo y los Artwoods promocionaron su primer single Sweet Mary). La segunda grabación, "Oh My Love", era otra versión de blues. Como el anterior y posteriores lanzamientos falló en listas. The Artwoods fueron despedidos por Decca a finales de 1966 y firmaron un acuerdo para una grabación con Parlophone, pero "What Shall I Do" tambien fracasó. Más tarde un single póstumo apareció en Fontana bajo el nombre de "St. Valentine's Day Massacre" pero en el momento de su lanzamiento los Artwoods ya habían dejado de existir. En plena época sicodélica, y a raiz del éxito de la película Bonnie & Clide, se pretendió explotar el estilo "gansters años 30" a traves de una versión de una vieja canción de Bing Crosby "Brother Can You Spare a Dime". Pero tambien falló.

Los primeros discos de los Artwoods se encuentran hoy muy por encima del trabajo en esos años de grupos más exitosos como los Stones, los Yardbirds o, ironicamente, los Birds, que incluían al hermano pequeño de Art, Ron. Pero en el momento en que se publicaron, pese a aparecer en programas como Ready, Steady, Go! sus singles nunca parecian conectar con el público comprador de discos. En sus actuaciones en vivo, en la otra cara, era algo diferente. Tenian una formación virtuosa, el sonido del piano y del organo de Lord era un gran complemento a la voz de Art, el trabajo en la guitarra de Griffith era elegantemente deslumbrante, y Keef Hartley era animoso a la vez que poderoso, con un gran sonido en la batería. Las audiencias de Club sabian que el espectáculo estaba asegurado y a la banda le encantaba tocar en vivo. Finalmente, de hecho, el exito del grupo en sus giras y su amor por tocar en vivo podría haberlos herido.

El grupo se rompe a mediados del '67. Keef Hartley entra en John Mayall's Bluesbreakers y más tarde forma the Keef Hartley Band. Jon Lord entra en Flowerpot Men para más tarde convertirse en miembro fundador de Deep Purple. Derek Griffiths trabaja como músico de sesión y Malcolm Pool contacta con Colosseum.

Quiet Melon se formó en julio de 1969 cuando The Jeff Beck Group se disuelve. El cantante Rod Stewart se quedó colgado sin banda y empezó a colaborar con Art Wood, su hermano Ronnie y Ronnie Lane, Kenney Jones e Ian McLagan. Art Wood les consiguió una sesión de grabación en los estudios de Fontana, donde tenía contrato y, según Art, grabaron 4 canciones: Diamond Joe , Engine 4444 , Right Around The Thumb , y Two Steps To Mother . Entregaron las cintas a Fontana, que dijo que los cortes no eran lo bastante buenos y rescindió el contrato de Art. El grupo entonces consiguió un promotor llamado Rufus Manning para intentar conseguirles un contrato pero nadie quiso saber nada. El grupo toco en varios bolos, pero el proyecto pronto fracasó y Art se retiró del negocio de la música para hacerse diseñador gráfico. Los restantes miembros - Ronnie Wood, Rod Stewart, Ronnie Lane, Kenney Jones e Ian McLagan - heredan entonces el nombre de Small Faces el cual sería pronto acortado a The Faces.

Mac's Eurobeat !!! The Rhythm Cheeckers

2009-04-05T11:31:00.001-07:00

Los Rhythm Checkers fueron literalmente una banda europea, pues contaron con miembros de cuatro paises diferentes en el transcurso de sus 3 años de carrera. Sus dos únicos Eps, ambos grabados en directo, incluyen algunos de los más salvajes temas de garage jamás grabados en el continente.

Comienza su andadura en 1965 en Sarrelouis, una ciudad alemana, muy cerca de la frontera con Francia. La banda tenía tres alemanes: Dave Kelly (Wolfgang Mersinger) en voz y guitarra, Kurt Horbach en el bajo, y Norbert Hohlweg en la batería, con el holandés Eddy Van Nelfen en la guitarra rítmica. Ocasionalmente Frank Farian, el fundador del sello Hansa, se uniría a ellos en los teclados.

La banda se trasladó a Estrasburgo, ciudad fronteriza Francesa, en 1966, reemplazando a Dave Kelly por dos franceses: Robby Stierheim de los Black and White a la guitarra, y el amigo de Roby, Roland Bauer (alias "Bouboule" aka "el rápido") de los Skate Five como nuevo cantante.

Ese verano, Los Rhythm Checkers van a tocar al Puce Palladium en la ciudad de Juan les Pins en la Costa Azul, y el 8 de noviembre telonean a Jerry Lee Lewis en el Olimpia de París, interpretando éxitos de r&b como Ride Your Pony y Long tall Sally. Eso les hizo crecer, completando un mes de reservas en el club Locomotive, en París.
Volviendo a Estrasburgo en diciembre, graban un Ep en el Kibitz Club, producido por Alain Dubois y del que se producirán 2000 copias (¡atención coleccionistas!). Cause I Need You y Theme of the Rhythm Checkers son originales de Robby Stierheim y Eddy Van Nelfen.
Ambas canciones son sólidas, aunque la producción trae la batería y voz a la palestra y esconde la guitarra fuzz en Theme of the Rhythm Checkers. En esta canción en particular, la voz de Roland recuerda a Roky Erickson, aunque seguro de que él no conocia a los Elevators en ese momento. Aunque si tenemos que compararlos a alguien, creo que sus sonido se asemeja más a grupos como los Pretty Things. Hay quien dice incluso que son algo así como los Sonics europeos... Dejemos que cada uno opine por sí mismo.
Tambien versionan Said Oh Yeah de Bo Diddley y, grata sorpresa para los amantes del garage-punk, una gran versión de "On Your Way Down the Drain" original del grupo de Nueva York The King Bees. Con un sonido genuino de garaje, esta versión pone de manifiesto que estos tíos tenían actitud.
El 21 de febrero de 1967 volvieron al Olympia para telonear a Chuck Berry. En ese momento otro ex miembro de Black and White, Danny Gentner sustituye a Kurt Horbach en el bajo. Un ronco Roland Bauer abre el concierto con un grito de "Vivre le rock n 'roll t vivre les Rhythm Checkers!"
Esta salvaje actuación fue grabada para su segundo Ep, que incluiría solo versiones esta vez: Long tall Sally, Kansas City, La Tierra de las Mil Danzas, y el reciente lanzamiento de los Small Faces, I Can’t Dance With You. Una vez más son contratados para tocar en los clubes de París, esta vez en el Tchoo Tchoo, el Poporama y el Bus Palladium.

En el otoño del 67 el teclista inglés Chris Hadfield se unió a la banda para dar una serie de conciertos con los Artwoods y Sandie Shaw. El grupo se separó a finales de ese año, cuando Robby, Chris y Roland formaron un grupo de r&b llamado The Meats. Roland reformó el grupo en los 70s grabando un último single bajo el nombre de Checkers.

Mac's Attack !!!

2009-03-24T12:17:00.000-07:00

Podemos decir que The Attack fueron, en realidad, varios grupos diferentes, pues el vocalista Richard Sherman tubo que rehacer el grupo casi por completo 3 veces. The Attack evoluciona de un grupo llamado The Soul System. Con miembros yendo y viniendo, una vez que consiguen estabilizarse 5 componentes, la banda llama la atención de Don Arden, un ejecutivo que los contrata para su Galaxy Entertainment, rebautizandolos como The Attack, con la espectativa de que pudieran emular el éxito de Small Faces. Lanzan un single llamado Please Phil Spector en el sello Philips, pero sus posteriores lanzamientos serian para Decca.

El primer sencillo para Decca , publicado a principios de 1967, Try It era una versión de una cancion de los Standells. El sencillo no hizo mucho en listas. Sin embargo, con ese sonido heavy de garage, es considerado un clasico menor de Freakbeat. Su cara B We Don't Know se incluyó en el recopilatorio The In Crowd. Es más bien un extrtaño hibrido jazz/soul/freakbeat con una letra bastante tonta, pero muestra su espíritu más mod.

Esta misma formación permaneció para la grabación de su siguiente sencillo Hi-Ho Silver Lining antes de disolverse devido a la falta de éxito con ambos 45's. Hi-Ho Silver Lining se encontró con la feroz competencia de Jeff Beck, que presumiblemente había escuchado la versión de Attack y se apresuró a lanzar su propia versión como su primer single solo unos días despues del single de los Attack. El resultado fue Jeff Beck consiguiendo el éxito con Hi-Ho. La cara B, Any More Than I Do, es una imponente obra de Freakbeat que, aparte de ser incluido en varios recopilatorios, fue adaptada por John Peel para un jingle en la emisora pirata Radio London.

Las caras A de estos singles buscaban un camino más comercial con Hi Ho Silver Lining y Created by Clive compitiendo con las versiones de Jeff Beck y The Syn respectivamente. Sin embargo, las caras B se movían en una dirección más experimental y sicodélica, Colour of My Mind es un buen ejemplo. Hi Ho Silver Lining perdió la batalla de listas con Jeff Beck pero hizo reflejar a la prensa como Attack reclamaba a Beck que les habían robado la canción.

Había una cierta inquietud en la banda. El guitarrista responsable del potente riffing de Any More Than I Do, David O'List se iba a The Nice socabando de nuevo los cimientos del grupo, mientras el batería Alan Whitehead se convertía en miembro de Marmalade y el resto se desvanecía en la oscuridad. Richard Sherman, el único que aguantó, reagrupó The Attack para continuar con una nueva formación que incluía a el organista escocés George Watt, el batería Chris Allen, los guitarristas Geoff Richardson y John DuCann y el bajista Kenny Harold. La continuación de Hi-Ho fue otra fresca, descarada y muy inglesa aventura, Created By Clive. En una más que ironica coincidencia, dos versiones de Created By Clive fueron lanzadas el mismo día , por The Attack y The Syn! El resultado fué que ninguna se llevó mayor atención, pues la canción es referida solo para comparar cual sería la mejor. Las notas a la edición de su póstumo recopilatorio Magic In The Air dicen "Clive, un diseñador de moda especializado en vestir bellezas con minifaldas, podría haberlos demandado en todo caso ". El nuevo guitarrista Geoff Richardson escribió la cara B, el ralentizado raga Colour Of My Mind. Con el single recien llegado a las tiendas, un nuevo guitarrista John DuCann fue añadido, y el batería y el teclista fueron tambien reemplazados. Con esta formación, The Attack se dedicó a tocar en todos los eventos disponibles, Middle Earth, Tiles, the Speakeasy etc. Sin embargo, cambios de personal llegaron de nuevo en verano de 1967, y Geoff Richardson y Kenny Harold abandonaron siendo reemplazados por Jim Pittman-Avory (quien más tarde sería parte de Thunderclap Newman).

Así grabaron las dos caras de su siguiente single, Magic In The Air/Lady Orange Peel pero la cara A fue desechada por Decca por ser demasiado heavy fue enviada a gabar la inocente Neville Thumbcatch. Dos temas más se grabaron en octubre de 1967, versiones de Morning Dew y Loving You Is Sweeter Than Ever, pero el sencillo que fue finalmente lanzado en enero de 1968 fue Neville Thumbcatch acompañado de Lady Orange Peel. Thumbcatch era muy similar al Pressed Rat And Warthog de Cream con sus fraseos narrativos y melodías de trompeta. Con este single, el grupo se deshizo de nuevo. DuCann y Sherman mantubieron Attack con vida, reclutando al bajista Roger Deane y al batería Keith Hodge y continuaron como cuarteto. Esta última formación grabó temas para un futuro album y single, todo abandonados en el cubo de la basura. Antes de desaparecer a mediados de 1968, el grupo grabó unas cuantas canciones, incluyendo Winding Up Clocks, Feel Like Flying, Strange House, Just Waiting, Freedom For You, etc. Desafortunadamente, no todos esos temas sobrevivieron hasta que el album Magic In The Air fue recopilado. Pero nos ofrece todos sus singles (con una excepción, Created By Clive) y un puñado de temas ineditos de las sesiones para el album de 1968. Este album nos da una mejor idea de quienes eran The Attack realmente. Temas como Magic In The Air, Strange House, Freedom For You y Colour Of My Mind justifican su alto lugar en la historia del pop británico, la sicodelia o incluso el freakbeat. Quizas con una formación más estable, la banda habría llegado más lejos de lo que llegó.

DuCann grabó un disco en solitario "Five Day Week Straw People" en 1968. DuCann estubo despues en Andromeda (con otros componentes de Attack) y, ya en los 70, en Atomic Rooster.

Aunque para los fans The Attack eran solo un grupo mod/pop-art al estilo de The Game o Creation, podemos concluir, estudiando todas sus grabaciones, que realmente fueron mucho más, pues probaron distintos estilos casi en cada tema, desde el pop más comercial hasta la sicodelia más vanguardista, llegando a recordar a grupos como The Move en algunos temas, lo cual puede atribuirse tanto a la creatividad de sus compositores como a los continuos cambios de formación.

Mac's Freakbeat!!! The Bonds

2009-03-20T11:42:00.001-07:00

Los German Bonds comenzaron su andadura en 1962, adquiriendo pronto un cierto estatus entre los grupos beat alemanes que tocaban en el Star-Club de Hamburgo. Algunas de sus primeras interpretaciones en plan r&b fueron registradas en el album Rock and Beat Bands Competition, grabado en diciembre del '63. Su primer single, para olvidar, se titulaba Facile, aunque vale la pena salvar la cara B, una curiosa versión del So Mystifying.

En el '65 contribuyeron con una versión decente de Remember (Walkin' in the Sand) a un par de Lps de artistas del Star-Club de la época, Scene '65 y Sweet Beat. La formación cambiaba con frecuencia, pero en 1966 el grupo lo formaban Rainer Degner a la guitarra solista y voz, Peter Hecht a los teclados, Jurgen Bock a la guitarra ritmica, Dieter Horns al bajo y voz, y Peter 'Peet' Becker a la batería. Esta formación compuso y grabó su disco más potente, We're Out of Sight, acompañado por una gran adaptación del tradicional Sing Hallelujah, sencillo publicado en septiembre del '66 en Polydor International. Precisamente es este We're Out Of Sight el tema del siguiente video, donde la camara realiza un curioso juego, penetrando entre la multitud hasta llegar al escenario donde actúa el grupo.

Su última grabación fue para Fontana en 1968, una floja melodía pop Skinny Eleanor con un tema un poco mejor, más freakbeat llamada Birthday Is Today en la cara b.

Esta es la historia de un grupo que no estaba en esto por el dinero, obviamente, y tampoco para dejar una huella indeleble con sus composiciones, sino, sobre todo, para ligar y pasarselo bien.
¡ Bravo por ellos !

Mac!!! recuerda a Pierre Henry

2009-03-15T15:45:00.000-07:00

Compositor francés nacido el 9 de diciembre de 1927 en París. Nunca acudió a la escuela, pues sus padres contrataban educadores que lo visitaban en su casa. Muy joven comenzó sus estudios en el conservatorio, donde estudió piano y percusión con Passeronne, composición con Nadia Boulanger y armonía con el maestro francés Olivier Messiaen.

Quizá sea esa formación clásica, junto a su gran talento y originalidad,la que ha proporcionado una excepcional calidad a su trabajo.

Pese a ello, ya desde sus inicios en la música mostró su curiosidad por otro tipo de sonidos distinto del emitido por los instrumentos convencionales y comenzó a recopilar todo tipo de sonidos susceptibles de ser utilizados posteriormente, el concepto se llamó "sound herbal".

En los cincuenta Pierre Henry provocó un gran revuelo al inventar la Música Concreta, junto con Pierre Schaeffer. La música ya no volvería a ser escrita con notas sobre una partitura que los instrumentistas pudieran leer y seguir, sino que se basaría en los sonidos cotidianos e incluso ruidos de nuestro entorno, debidamente recopilados, editados y transformados por máquinas. La rutina de su trabajo consistía en, día a día, recorrer las calles de su Paris natal, armado con dos micrófonos ultrasensibles y un magnetófono, con el que registraba minuciosamente cualquier sonido que pudiera resultar interesante para su trabajo. Así el sonido de los pájaros revoloteando en los Campos Eliseos, los trenes entrando en la estación central, o las campanas de Notre-Damme se convertían en notas para sus partituras. Radical innovador, compuso multitud de éxitos que serían hitos en su tiempo.

Entre 1949 y 1958, Henry trabajó en París en el Club d'Essai de la Radio Televisión Francesa (RTF), fundado por Pierre Schaeffer. Durante este periodo compuso su pieza de 1950 "Symphonie pour un homme seul" en colaboración con Schaeffer. También compuso la primera pieza de música concreta que apareció en una película comercial, el cortometraje de 1952 "Astrologie ou le miroir de la vie". Henry ha compuesto musica para numerosas películas y ballets, así como para teatro, radio y televisión. Entre sus trabajos cabe citar Hommage a Beethoven (1979), Les Noces chymiques, rituel féérique en 12 journées (1980) y Le Livre des morts égyptiens (1968-1988). Uno de sus trabajos más conocidos es la obra experimental de 1967 "Messe pour le temps présent", una de las varias colaboraciones con el coreógrafo Maurice Béjart, en la cual aparece su conocida pieza "Psyche Rock", remezclada por Fatboy Slim en 1997. Son especialmente relevantes su Orfeo (1953), obra con la que inició su período expresionista, y La reina verde (1963), con coreografía de Maurice Béjart.

Aun hoy, jovenes músicos de todo el mundo lo veneran como iniciador de un nuevo camino en la composición musical, e incluso DJs de música electronica se proclaman seguidores de su fabuloso trabajo. Prueba de su atemporalidad es la cabecera de la serie "Futurama" que utiliza una remezcla de su pieza "Psyche Rock". Aunque en el fondo Henry solo sea un compositor clásico que aprovecha los recursos técnicos propios de su tiempo, todo un ejemplo de coherencia del que quizás algunos debieran aprender.

Mac!!! de nuevo en Portonovo

2009-03-07T12:43:00.000-08:00

Nueva noche de garage en Portonovo hoy Sábado 7 de marzo, con los siguientes ingredientes:

The Fuzztones han logrado el status de banda de culto durante sus 28 años de carrera. Su feroz mezcla de Garage-Psycho-Punk surgida durante el "Garage Revival” de los 80 influyó a muchas bandas. Nacidos el verano de 1980 en NY, The Fuzztones fueron pronto habituales en locales legendarios como el CBGB´s. Su sucio y denso sonido fuzz y su estética de cuero y huesos son su marca característica. Desde su LP de debut en 1985, "Lysergic Emanations" han publicado multitud de singles y LP´s y han participado en otros tantos recopilatorios... Después de pequeños parones de algunos años Rudi Protudi reformó la banda en 2000. Tras múltiples actuaciones y editar diversos singles la banda está mas viva que nunca.Su último álbum “Horny as Hell” los trae de nuevo a la península y a este concierto exclusivo para Galicia.

The Phantom Keys son gallegos y hacen rock como los chicos blancos lo hacían en los sesenta, como los Stones al principio, los Yardbirds y todos los grandes cuando aún no se afeitaban. Sus guitarras suenan demoledoras. Llenan salas en Madrid, y en el resto de la península. Actualmente presentan su nuevo single editado por El Beasto Recordings. Ponle el nombre que quieras, rock, garage, punk, beat,pop, sixties, da igual... Los Phantom Keys molan.

A Charlie Faber podemos escucharle cada día en su programa Sateli3 de Radio 3, haciendo una radio sin esclavitudes con la actualidad, las discográficas ni los intereses de la industria. Aquí lo tendremos haciendo lo que mejor sabe.

Alex "Big Voxx Man" se dedica a machacar los tímpanos del personal en diversas fiestas como Shake and Vibrate, La Bruta Fest, o en locales... Bourbon a Go-Go y la sala Superfly en A Coruña, El Agente Naranja (Portonovo)... Si quieres menearte al ritmo de R'n'R y garage 100wild!!, él es la persona adecuada...yeah!!!!

Mac!!! de fiesta a Portonovo

2009-02-22T14:29:00.001-08:00

Gran noche de garage en tierras gallegas de la mano de Wau y los Arrrghs!!! y Fumestones. No os lo perdais. La sala Boogaloo comienza su andadura con un buen concierto, pero lo mejor está por venir... Buena gente sobre el escenario, y tambien en los platos, para continuar la fiesta hasta que el cuerpo aguante. Para más información sobre la sala, como llegar, etc... pincha aquí.

Mac!!! se hace el sueco

2008-10-09T12:49:00.000-07:00

Si hablamos de Suecia, ¿que es lo primero que se nos viene a la cabeza?

Efectivamente. Pero hay otras aportaciones que ese simpático pais nos ha hecho: aparte de la generalmente reconocida aportación al mundo del diseño, hablaremos hoy de una materializada en los años ochenta en plástico impreso.

Sí, amantes del garage, Suecia nos ha dado grandes bandas en esa época. Nombremos algunas: The Crimson Shadows, The Stomachmouths, The Wylde Mammoths, The Highspeed V, The Livingstones y, por supuesto, The Nomads. Pero no vamos a hablar hoy de ninguno de ellos. Hablaremos de un grupo que con solo dos singles publicados (y alguna aparición en recopilatorios) se ha ganado nuestro respeto: The Backdoor Men.

...Erase una vez una banda mod que se hacía llamar The Pow... Corría el año 1982 en Suecia y 3 chavales, Hans Ingemansson (guitarra y voz), Stefan Nilsson (bajo), e Ismail Samie (batera), interpretaban los clásicos de sus heroes (Spencer Davis Group, Jam, Squire y cosas por el estilo…) en pequeños clubs en Estocolmo.

Dos años más tarde, en 1984, un inmigrante checoslovaco, Robert Jelinek, miembro de los Creeps, se integra en el grupo, con lo que el sonido y el look cambian volviendose más salvaje. The Pow se convierte en The Backdoor Men y arranca haciendo versiones de the Chocolate Watch Band, Music Machine y Standells. Tracks On Wax los ficha y en Aagosto de 1985 editan su primer killer-single al más puro estilo "Nuggets": Out Of My Mind/Magic Girl

En este punto nuevos temas estaban listos para ser publicados (Another Way Of Giving, Going Her Own Way, el Going Home de los Sonics, y el People In Me de Music Machine) en un mini-LP provisionalmente titulado The Backdoor Men Strike Italy! y programado para marzo del 86 por el sello Electric Eye , pero sin embargo, solo un segundo y maravilloso 45rpm vio la luz en Fab Records: Going Her Own Way/Dance Of The Savages

Poco despues, los Creeps de Jelinek (e Ingemansson) realizan su debut lanzando un magnifico album, y a finales de diciembre los Backdoor Men ya eran historia. En cuanto a Ismail, sacó un buen single con los Livingstones en septiembre del 87.

Mac despide a Richard Wright

2008-09-16T15:07:00.000-07:00

Un triste lunes de septiembre, el mítico teclista de Pink Floyd Richard Wright ha escapado apresuradamente a reunirse con su viejo amigo y compañero de locuras Syd Barrett...

Wright (Londres, 1943) pasará a la historia de la música por haber creado Pink Floyd junto a Roger Waters (cantante, bajista y compositor) y Nick Mason (batería). Los tres artistas, que se conocieron en la Escuela Politécnica de Arquitectura de Regent Street (centro de Londres), fundaron en 1965 The Pink Floyd Sounds, nombre original de la formación.
Aunque como compositor no fue tan prolífico como Waters, con quien mantuvo una agria rivalidad, sí escribió algunas canciones de álbumes tan conocidos como Meddle (1971), The dark side of the moon (1973) y Wish you were here (1975).

Mac!!! recuerda a Los Nivram

2008-08-29T10:49:00.000-07:00

Hoy es un buen momento para recordar a Los Nivram, un grupo beat con actitud que grabó dos Eps entre 1965 y 1966 y, como tantos otros conjuntos prometedores, acabó por desaparecer sin más. Su historia aparece en la contraportada del Nº 201 de la magnífica colección de vinilos del sello Alligator Records (el cocodrilo) Historia De La Musica Pop Española que en 1985 les dedicó un volumen.

Los Nivram se forman en Granollers a principios del año 1964. La escena de Granollers de los primeros 60 estaba compuesta basicamente por 3 grupos: Los Tellens, Los Nivram y Los Geiser, cuyo repertorio eran versiones de Elvis, Shadows, Beatles, Rolling Stones, etc. Grupos muy profesionales que trabajan duro con muchas actuaciones en vivo, en el Centri-Club y en el Casino Astoria, donde se codean con grupos consolidados como Sirex, Salvajes, Lone Star, Tony Ronald... (que acabaría fichando a varios de los Tellens). La prensa y la radio "del régimen" no les apoyó (su pelo largo y su rebeldía eran un problema), teniendo que recurrir a radios foraneas como Radio Andorra o Radio Carlone. De estos 3 grupos, el único que conseguiría materializar su trabajo en vinilo serían Los Nivram, tras proclamarse vencedores del Concurso de Ritmos Modernos del Casino los años 1964 y 1965 (la 1ª edición, en 1963, la ganaron Los Mustang).

Admiradores del famoso cuarteto británico The Shadows, Los Nivram toman su nombre artístico de una de sus grandes composiciones. De hecho Nivram es el apellido del gran guitarrista de los Shadows, Hank Marvin, deletreado al revés.

En sus comienzos fueron un grupo instrumental con seis componentes. En 1965 el grupo estaba formado por José Mauri (batería), David Sala (guitarra solista), Francisco Mauri (guitarra baja) y Jorge Mauri (voz, saxo y guitarra rítmica). Los 3 hermanos Mauri provenían de la orquesta Selecció y orquesta Astoria.
Se presentan en el Centri Club de Granollers; más adelante se desplazan a la costa y con sus actuaciones en el club Whiskey a Go-Go, en la zona de Calella, consiguen una buena reputación y repercusión.
Editan dos discos de cuatro canciones con la multinacional EMI-Regal. Uno de los temas es de Mancini, "Tema de Peter Gunn", y los siete restantes composiciones propias, algo insólito para un grupo de estas características. El tema "Sombras", incluido en el segundo EP, es una joya del pop psicodélico español. "Un amor sin igual", incluido en su primer EP, es otra joya con sabor a garage. El precio actual de estos vinilos en el mercado de coleccionismo ronda los 100€ para una copia en buen estado.

Escucha Tema de Peter Gunn

Escucha Mi nuevo amor

Escucha Falsa ilusión

A finales del 65, David Sala tiene que dejar Nivram por el servicio militar y durante el año 1966 los hermanos Mauri corren igual suerte, desapareciendo uno de los grupos más prometedores de la música española de aquellos años. En 1968 los hermanos Mauri reaparecen en Mallorca bajo el nombre Mauri Set trabajando en la zona hasta su último concierto en 1970 en Cardedeu. Francisco muere y desaparece definitivamente la formación.

Hey, Bo Diddley !!!

2008-06-03T05:47:00.000-07:00

"Uno de los padres fundadores del rock and roll ha abandonado el edificio que ayudó a construir"

El 2 de junio de 2008 ha pasado a la historia con la muerte de un genio pionero del R'n'R, inspirador de bandas como los Rolling Stones, Animals, Who, Pretty Things, etc.

En sus más de cinco décadas de carrera, Diddley compuso clásicos del rock como "Who Do You Love", "Bo Diddley", "Bo Diddley's a Gunslinger", "Before You Accuse Me", "Mona", "I'm a Man" , "Roadrunner" y "Pretty Thing", de la mano de la guitarra rectangular fabricada por él mismo que se convirtió en el sello de su música.

Junto a contemporáneos como Chuck Berry y Little Richard, Diddley estaba entre los primeros músicos negros que lograron superar la segregación racial de Estados Unidos con una música que supuestamente era para blancos.
Nacido como Ellas Bates en 1928, tocaba el violín de niño. Tomó el seudónimo de Bo Diddley cuando se mudó a Chicago siendo un adolescente, y allí comenzó a tocar en los años 40.

Sus inicios comienzan en 1951 tocando en calles, mercados y en el club 708. Sus temas ponían de manifiesto sus influencias de Muddy Waters, Louis Jordan o John Lee Hooker.
Su oportunidad vendría de manos de la Chess Records de Chicago. En 1955 grabaría su primer disco con dos temas: Bo Diddley y I'm a man. En estos temas ya destaca con su potente chorro de voz y el sonido psicodélico inconfundible de su guitarra.
El 20 de noviembre de 1955, Bo Diddley era el primer afroamericano en aparecer en el programa de televisión The Ed Sullivan Show. Años más tarde, recordando este hecho díría que la experiencia no hizo más que enfurecerlo. "Interpreté dos canciones y consiguió enojarme... Ed Sullivan dijo que era uno de esos prometedores jóvenes de color que siempre le engañaban. Dijo que no duraría más seis meses".
Con el tiempo fueron surgiendo nuevas canciones en las que una parte importante eran los músicos que le acompañaban: Su hermanastra, llamada "La Duquesa", a la segunda guitarra; Billy Boy Arnold a la armónica; Franz Kirkland o Clifton James en la batería; Otis Spann al piano; Jerome Green con las maracas y voz acompañante.

Su estilo beat ha sido utilizado por muchos otros importantes artistas en distintas canciones, como en "Willie and the Hand Jive" de Johnny Otis , "Magic bus" de The Who, y "Not Fade Away" de Buddy Holly .

Bo Diddley utilizó una gran variedad de ritmos, sin embargo, con el back beat haría estallar el estilo de la balada, al introducir el sonido frecuente de las maracas de Jerome Green. También fue un guitarrista que introdujo multitud de nuevos efectos especiales e innovaciones en la forma de tocar. Como violinista puede oirse en el tema "The Clock Strikes Twelve".
El ritmo es tan importante en la música de Bo Diddley que la armonía está reducida a menudo a una simplicidad desnuda. Con frecuencia, sus canciones (como por ejemplo "Hey Bo Diddley" y "Who Do You Love?") no tienen ningún cambio de acorde; es decir, los músicos tocan el mismo acorde durante todo el tema, de modo que el entusiasmo es creado por el propio ritmo, más que por la armonía.

Las letras de sus composiciones son a menudo ingeniosas y humorísticas adaptaciones de temas de la música tradicional. Entre sus canciones podemos destacar además de las ya mencionadas Diddley Daddy, Pretty thing (1955); Who do you love, Before you acuse me (1956); Mona oh yea (1957); Say man (1958); Roadrunner (1959); Cadillac (1960); I can tell, you can't jugde a book by the cover (1961). Cabe mencionar su amistad con Chuck Berry con el que colaboró en más de una ocasión además de haber compartido cartel en algún concierto. Le acompañó a la guitarra en las canciones Memphis y Sweet little rock and roller y grabaron juntos el álbum Two great guitars.

Diddley seguía tocando en los últimos años, y siempre dijo que lo hacía porque necesitaba el dinero.

La energía no se crea ni se destruye, solo se transforma.

Hey Bo Diddley !!!

Descanse en paz.

Mac's Freakbeat !!! The High Numbers

2008-04-25T15:30:00.001-07:00

Los High Numbers interpretan "Ooh Poo Pah Doo" y "I Gotta Dance To Keep From Crying" en el Railway Hotel. Corría el año 1964 y se gestaba el nacimiento de una banda mítica, THE WHO.

Aunque la cosa había comenzado años antes, cuando una banda ruidosa como pocas, los Detours, había teloneado nada menos que a unos jovencísimos Rolling Stones. Aquellos chicos eran unos gamberros, tocaban un rithmandblues muy muy fuerte y poderoso, a un volumen altísimo, y ya por entonces tenían un nutrido grupo de seguidores entre los mods londinenses.

Max Ker nos cuenta en primera persona cómo fue aquel concierto:

"Lo primero que me llamó la atención fue ver a John Entwistle tocando el bajo, tieso como un poste, sin hacer ni un movimiento. Eso sí, sus dedos se movían por todo el mástil de su instrumento. Roger Daltrey era muy bajo y Pete Townshend parecía un chico difícil, nervioso. Recuerdo que llevaba una camisa abotonada hasta el cuello. Era de aquellas que tenía una pequeña trabilla de tela sobre el último botón. Se ataba por debajo de la corbata, para mantener el nudo alto. Daltrey tocaba la armónica. Keith Moon no estaba con ellos, así que nadie se fijaba en el batería. No eran un grupo telonero más, eran mejores, por encima de la media".
Bajo el nombre de High Numbers grabaron un single que fue un fracaso, se vendieron unas 300 copias de las 1000 que se habían editado. 'I'm The Face' / 'Zoot Suit' sonaba bien, pero no era nada comparado con lo que estos chicos eran capaces de hacer en directo.
Poco despues la maqueta de 'I Can´t Explain' llega a manos de Shel Talmy, el por entonces productor de los Kinks, quien acude a verlos en directo y les consigue un contrato con el sello Brunswich para grabar lo que sería el primer single de los Who. Talmy quería que el grupo sonara al estilo de los Kinks, pero el resultado se asemejaba más a un Dylan desbocado, asíque Talmy llevó a Jimmy Page para sustituir a Pete en la guitarra y a los Ivy League para que hiciesen los coros más agudos. Hasta se comentó que iba a hacer falta un batería de estudio, porque Keith Moon era muy anárquico en su técnica. En la cara B, 'Bald Headed Woman' Pete tambien fue sustituído por Jimmy Page.
El disco llegó al número 8 en Inglaterra. Para el segundo single, Shel Talmy ya tenía preparados a Page, a los Ivy League y a un batería de estudio. Si los Who no se hubiesen revelado, 'Anyhow, Anyway, Anywhere' habría quedado muy diferente. La anécdota está en que los responsables de Decca devolvieron las cintas master en junio del 65 por un supuesto defecto técnico, pues ¡estaban llenas de feedback!
Acababan de nacer los auténticos THE WHO

Mac!!! despide a Rafael Azcona

2008-03-30T13:50:00.000-07:00

Fernando Fernán-Gómez escribió en 1956 una novela, El vendedor de naranjas, cuyo protagonista era un guionista. Lafuente, así se llamaba el atribulado personaje, ejemplifica la triste suerte de tantos guionistas del cine español de la época. Pluriempleados, mal remunerados cuando se les pagaba, poco respetados y en gran medida hoy olvidados. Por aquel entonces, un joven riojano llamado Rafael Azcona se incorporó de forma un tanto azarosa a la nómina de quienes se dedicaban a tan peculiar actividad. Ya había sido poeta en provincias, humorista gráfico en La Codorniz, novelista y hasta se había convertido en Jack O'Relly para escribir a tanto la página. Su encuentro con Marco Ferreri no fue providencial -término inadecuado para ambos sujetos-, pero sí un golpe de suerte que permitió dar inicio a una larga, prolífica y brillante carrera como guionista que se prolongó hasta sus últimos días. Hoy, casi cincuenta años después y a pesar de que la situación ha mejorado notablemente, supongo que bastantes guionistas deambulan por los despachos como Lafuente, otros son ignorados y los que ya tienen una trayectoria a sus espaldas han quedado casi siempre en el anonimato de las fichas técnicas de las películas. A menudo, son nombres y poco más, incluso para los cinéfilos. Sin embargo, Rafael Azcona es en buena medida una excepción a pesar de su modestia militante y su afán de pasar desapercibido.

No se me ocurre mejor y, al mismo tiempo, más sencillo homenaje que publicar, con su muerte aun reciente, una relación de las películas en las que, a lo largo de su extensa trayectoria, participó como guionista. Algunas de ellas forman ya parte del imaginario popular, las felicitaciones quedaron para los actores y directores, pero gran parte del peso de esas obras recayó discretamente sobre los hombros de Azcona.

El pisito (1958)

Se vende un tranvía (1959)

El cochecito (1960)

El secreto de los hombres azules (Le tresor des homes bleus) (1960)

Le italiane e l'amore (1961) Plácido (1961)

Il mafioso (El poder de la mafia) (1962)

La muerte y el leñador [episodio de Les quatre vérités] (1962)

Una storia moderna: l'ape regina (1963)

El verdugo (La ballata del boia) (1963)

La donna scimmia (Se acabó el negocio) (1963)

Un rincón para querernos (1964)

Il profesore [sketch de Controsesso] (1964)

Una moglie americana (Una esposa americana) (1965)

L'uomo dei cinque palloni [sketch de Oggi, domani e dopo-domani] (1965)

Break up [versión completa de L'uomo dei cinque palloni] (1965)

Marcia nuziale (1966)

L'estate (1966)

Il fischio al naso (¡Qué dulce es morir así!) (1967)

L'harem (1967)

Peppermint frappé (1967)

La boutique (Las pirañas) (1967)

Tuset street (1968)

Los desafíos (1969)

La madriguera (1969)

¡Vivan los novios! (1970)

Las secretas intenciones (1970)

El jardín de las delicias (1970)

El monumento (1970)

El ojo del huracán (1971)

Un omiccidio perfecto a termini di legge (Homicidio al límite de la ley) (1971)

L'udienza (La audiencia) (1971)

La cera virgen (1972)

Si può... fare, amico (En el oeste se puede hacer... amigo) (1972)

Tarots (Ángela) (1972)

Una razón para vivir y una para morir (1972)

Ana y los lobos (1973)

La grande bouffe (La gran comilona) (1973)

Permette, signora, che ami vistra figlia? (1974)

Tamaño natural (1974)

Instant coffee (Malos pensamientos) (1974)

El poder del deseo (1974)

La prima Angélica (1974)

Touche pas la femme blanche (No tocar la mujer blanca) (1974)

Alla mia cara mamma nel giorno del suo compleanno (1974)

La revolución matrimonial (1974)

La adúltera (1975)

Pim, pam, pum... ¡Fuego! (1975)
L'ultima donna (La última mujer) (1976)
El anacoreta (1976)

Mi hija Hildegart (1977)

Una noche embarazosa (Il Pupazzo) (1977)

Ciao, maschio (Adiós al macho) (1978)

La escopeta nacional (1978)

Un hombre llamado Flor de Otoño (1978)

La miel (1978)

La familia bien, gracias (1979)

El divorcio que viene (1980)

Patrimonio nacional (1980)

127 millones libres de impuestos (1981)

Puente aéreo (1981)

Bésame, tonta (1981)

Nacional III (1982)

La vaquilla (1984)

La corte de Faraón (1985)

Hay que deshacer la casa (1986)
El año de las luces (1986)

El pecador impecable (1987)

El bosque animado (1987)

Moros y cristianos (1987)

Soldadito español (1988)

Y'a bon les blancs (Los negros también comen) (1988)

Pasodoble (1988)

Sangre y arena (1989)

El vuelo de la paloma (1989)
¡Ay, Carmela! (1990)

Chechu y familia (1992)

Belle Époque (1992)

Tirano Banderas (1993)

El rey del río (1994)

El seductor (1995)

Suspiros de España (y Portugal) (1995)

Gran Slalom (1995)

La Celestina (1996)

Tranvía a la Malvarrosa (1996)

En brazos de la mujer madura (1997)
Pintadas (1997)

Siempre hay un camino a la derecha (1997)

Una pareja perfecta (1997)

La niña de tus ojos (1998)
La lengua de las mariposas (1999)

Adiós con el corazón... (2000)

El paraíso ya no es lo que era (2001)

Son de mar (2001)

La marcha verde (2001)

María querida (2004)

Impresionante ¿no? Una vida bien aprovechada, de hecho trabajó hasta sus últimas horas, dejando un último guión inacabado, y otro cuya película se estrenará proximamente. Por supuesto omitiré su creación literaria, poesía y teatro, y su participación en televisión, pues la lista sería demasiado larga para este artículo. No obstante, podeis descargaros esta interesante reseña si quereis conocer más sobre este personaje:

http://descargas.cervantesvirtual.com/servlet/SirveObras/01937307762368286320035/006129_4.pdf

Mac!!! irrumpe en la jornada de reflexión

2008-03-08T04:52:00.000-08:00

Mac!!! reune a dos portentos del jazz patrio

2008-03-04T07:15:00.000-08:00

A raiz de los comentarios recibidos en un post anterior, he decidido hablar un poco más de esta magnífica vocalista nacida en Madrid el 13 de febrero de 1928. Su nombre, Elia Fleta.

Hija del afamado cantante lírico Miguel Fleta, su infancia transcurrió en medio de un clima musical muy favorable para su formación. Sus primeros escarceos con el canto tubieron lugar en varias emisoras de radio formando dúo con su hermana Paloma Fleta y en un terreno poco exigente como era la llamada música "ligera" (el término yeyé no sería acuñado hasta años despues). Su atracción por el jazz vino mas tarde cuando escuchó casualmente un disco de Sarah Vaughan que le prestó (¡nada menos!) Juan Carlos Calderón.

Fue este pianista madrileño quien la llevó de gira a Santander y gracias al interés de Peer Wyboris, integrante del trío de Tete Montoliu, pudo debutar en 1965 en el "Bourbon Street" de Madrid, el mismo club que en los años ochenta cambio su nombre por el de "Whisky Jazz". Wyboris habló a Tete Montoliu de las habilidades de Elia Fleta como cantante y viajó a Barcelona en 1966 para debutar en el antiguo "Jamboree". En 1967 tuvo ocasión de presentar el Primer Festival de Jazz de Barcelona actuando con el trío de Tete Montoliu. Testigo de ese encuentro fue el disco grabado entre ellos, la primera y única vez que Tete grabó con una cantante.

Tras cinco meses de actuaciones en la Ciudad Condal, Elia Fleta volvió a Madrid provista ya en los círculos jazzisticos de una bien ganada fama. En Madrid actuó en los clubes de jazz mas importantes de la época e inauguró los conciertos de jazz del Colegio Universitario de Madrid, el San Juan Evangelista, conocido popularmente como el "Johnny". Impartió clase de canto en el "Jazz Forum", un lugar de aprendizaje universitario para los alumnos y alumnas interesados en el jazz. Es también interesante su trabajo como letrista de canciones y tras un largo paréntesis de actividad musical, permaneció tres años actuando regularmente en el viejo "Whisky Jazz". En 1974 participó en el Festival de Cardedeu junto a figuras de renombre del jazz internacional como Johnny Griffin, Lou Bennett o el mismo Tete Montoliu.

Reapareció en Mayo de 1968 en el desaparecido club de jazz valenciano "Tres Tristes Tigres" con el trío de José Luis Vallett y su carrera termina a finales de ese año en el club "Cambaro" de Santander. Además del disco con Tete Montoliu, Elia Fleta grabó otro álbum titulado: "Elia Fleta y el Jazztet de Madrid" (comentado anteriormente). Cantante finísima, su debilidad por Sarah Vaughan y Carmen McRae hicieron de ella una cantante de exquisito feeling.

Queda la promesa de ofreceros en una próxima entrada algo más de esta exquisita música; desgraciadamente, hoy no dispongo de más tiempo.

Palabra de Mac!!!

Mac con Amy Winehouse

2007-12-15T05:48:00.000-08:00

Ánimo Amy.

A tus 23 años eres aun demasiado joven para rendirte ante la vida. A los que amamos la música no nos importan tus idas y venidas. Tú tienes SOUL y queremos que sigas compartiendolo con nosotros.

Es ese mismo alma que nos cautiva la que te hace reaccionar de forma tan pasional ante la vida. Debemos, pues, para ser justos, comprenderte. Debemos perdonar todas esas cancelaciones, esos altibajos en tus conciertos, porque cuando la voz sale de dentro, el alma queda al descubierto y los acontecimientos más intimos de tu universo personal salen a relucir, aun sin tú quererlo. Es inevitable.

Por eso cada vez que tú cantas la misma canción, al contrario que sucede con cantantes mediocres, sucede que suena completamente diferente. No comparto los abucheos de quienes no comprenden que tu canto sale de dentro, de lo más profundo. Entiendo que no están preparados para tu música. Una cantante, mejor, una artista como tú no puede ser "profesional". Has de cantar solo cuando te apetezca, cuando te "salga". Siempre debería ser así, pero la industria ha pervertido el arte y obliga a cantar no cuando "salga" sino cuando "toque". Firmamos un contrato que nos obliga a mentir, a cumplir una jornada laboral, lo cual va inevitablemente en detrimento de la sinceridad y de la calidad.

Amy, sigue adelante. Voces como la tuya son cada vez más difíciles de encontrar, sobre todo en los circuitos comerciales habituales y de masas. Ten fuerza y sigue como eres. ¿Por qué tendrías que cambiar? El ser como eres le da a tu música ese caracter que nos gusta. Canta cuando te apetezca y lo que quieras pero por favor sigue haciendolo a tu manera. Sigue como eres. Nosotros te seguiremos escuchando.

Gracias Amy!!!

To know you is to love you (original de Phil Spector y versionada por los Beatles)

Tears dry on their own (rememorando el Sonido Motown de Marvin Gaye y Tammy Terrell)

Mac!!! recuerda a Los No

2007-07-03T11:44:00.000-07:00

En una época en la que eran frecuentes los referendums populares en favor del caudillo, en los que todo el mundo sabía que había que votar Sí a Franco, un nombre tan radical como Los No hacía dificil la difusión de este grupo. Ninguna emisora de radio se atrevería a anunciarlo en antena. El asunto parece irrisrio, pero tubo su importancia para el grupo. Si a esto unimos su salvaje sonido freakbeat, su impactante directo, destrozo de Rickenbaker incluído, sus provocadoras melenas y sus ropas op-art, podemos comprender que el grupo nadaba a contracorriente en la por lo general conservadora y cerrada España de mediados de los 60.

Pese a todo Los No nos nos dejaron dos magníficos EPs en 1966 grabados bajo el sello catalán Vergara, y un single postrero en 1971, que no llegaba a la calidad de los anteriores.

Musicalmente podemos compararlos a gente como los Kinks o los Stones, de los cuales realizaron sendas versiones: Sentada a mi lado (Sittin' on my sofa) y Lloro por tí (Cry to me).Rithm'n'blues sucio, de guitarras fuertes, y letras a veces reivindicativas e irónicas al estilo de Los Salvajes (vease "Incomprendidos").

Sobre el nombre del grupo, lejos de ser una manifestación de rebeldía o inconformismo, tiene una historia mucho más prosaica, según dicen ellos: "Pensamos en varios nombres posibles, pero a todos decíamos que No. Despues de un tiempo sin decidirnos por ninguno, no quedamos con Los No." Bravo chicos, así se lidia con la prensa, pero...¿seguro que no hay algo más...? ¿No...?

El conjunto se disuelve en 1971 y sus componentes se reparten entre otros grupos, como Barrabás, Canarios o Nubes Grises.

Mac!!! comparte sus vinilos: Elia Fleta y el jazztet de Madrid

2007-06-30T14:40:00.000-07:00

Magníficos instrumentistas, como el gran Pedro Iturralde o Juan Carlos Calderón, acompañan la interpretación vocal de Elia Fleta en este Ep, pequeña joya de mediados de los 60, que consiste, en dos temas originales seguidos de dos magnificas versiones a ritmo de jazz-pop, entre ellas el éxito de los Beatles Can´t Buy Me Love. Vinilo largamente descatalogado y fuera de todos los circuitos comerciales, motivo por el cual, y con permiso de la SGAE, me atrevo a publicarlo para uso y disfrute de todos los amantes de la música que no pueden adquirirlo por los canales habituales.

Mac!!! con Los Dayson, Los Botines y Camilo

2007-06-28T11:42:00.000-07:00

Ese adolescente morenito de la izquierda se llamaba Camilo Blanes Cortés, más conocido ahora como Camilo Sesto. Nació en Alcoy, el 16 de setiembre de 1946, en una familia modesta (su padre era electricista). Por ser el menor de una familia de seis integrantes, sería llamado Camilo Sesto, con el sexto escrito con ese en vez de con equis.

De chico era revoltoso y fue expulsado de dos colegios. Tenía buena voz y lo llamban siempre para cantar en el coro y también para cualquier representación teatral de fin de curso. Y como también dibujaba muy bien, se encargaba de caricaturizar a sus compañeros. Más tarde estudiaría Bellas Artes, inspirado por su compatriota Sorolla. Era la época en que sus amigos conocían a Camilo por el apodo de El Chato .

Siendo adolescente, Camilo formó con un grupo de amigos (el de la foto) su primer conjunto musical, con él como cantante. Ese conjunto de aficionados se llamó Los Dayson y con él se fue Camilo a Madrid a participar en el programa concurso de Televisión Española Salto a la fama . Interpretaron Flamenco , una canción de Los Brincos , por entonces muy de actualidad. Y luego se volvieron a Alcoy, muy felices porque los habían visto (y escuchado) en toda España, a seguir actuando sábados y domingos en una sala de fiestas de la ciudad y en toda clase de bodas y bautizos. En su repertorio incluían canciones del Dúo Dinámico , de Raphael y de otros artistas de la época.

Corría el año 1962. Yo acababa de cumplir los 16 años y se ponia a la venta en Londres un disco titulado Love me do. Inmediatamente nos pusimos manos a la obra para incorporarla al repertorio de Los Dayson. Como no teniamos ni la mas remota idea de ingles, nos aprendimos foneticamente la cancion. Y como yo estoy bien dotado para las lenguas, con un oido excelente, conseguia reproducir milimetricamente cada palabra, cada sesgo de voz, cada nota. Los Dayson actuaban en la emisora del pueblo, EAJ12 Radio Alcoy, y alli grabamos varias canciones: Las calles llenas de gente estan, y por el aire suena una musica...

Era un día de 1965 cuando, resolutivo, Camilo dijo a sus padres que dejaba Alcoy y que con la maleta al hombro se iba a Madrid en busca de fortuna. Con él viajaron los componentes de Los Dayson. Pero en Madrid las cosas no iban bien, y Camilo las pasó difíciles más de un día para poder salir con sus gastos. Así es que cuando no lograba lo suficiente para ir subsistiendo con sus actuaciones domingueras en locales de poca monta, se iba al Rastro y vendía algunos bodegones y paisajes que pintaba para seguir adelante en la pensión que compartía con un amigo en las afueras de Madrid.

Los Dayson no llegarían muy lejos. En 1966, se disolvió un grupo que gozaba de cierta popularidad, Los Botines . El conjunto se rehizo con nuevos integrantes y grabó un disco.

Yo había acudido a Madrid para trabajar en la música, pasara lo que pasase. A falta de Botines, llamé a Alcoy a unos cuantos chavales que actuaban por allí con el nombre de Los Tigres y los rebauticé en la capital como Botines, con el permiso de Paco Candelas, que tenía registrado el nombre. Todos Los Dayson habían regresado, los numerosos Botines originales y sucesores andaban perdidos o en otros grupos. El nuevo grupo se llamaba Camilo y Los Botines, con Jaime Torregrosa, el batería Javier Romeu, el saxo Llorca, Rafael en el piano. Empezamos a hacer lo que en aquella época se llamaba "música soul", en realidad las mismas canciones de Los Beatles con diferente instrumentación. Yo continuaba empeñado en asentarme en un grupo, ser el vocalista de un grupo, aunque todos los intentos fueran fracasando uno tras otro. Durante casi dos años, hasta el mismo día que tuve que incorporarme al servicio militar, estos nuevos Botines fueron trabajando lo mejor que pudieron...

Tambien hizo Camilo sus pinitos en el mundo del cine. Participó en el rodaje de una película, Hamelín , cuyo protagonista era Miguel Ríos. Con Los Botines participó en el rodaje de la versión cinematográfica española de Hamlet de Shakespeare y en Los Chicos del Preu , una de las 100 películas más vistas en España . Camilo Blanes interpreta el papel de un chico que tiene problemas con su padre a causa de sus aficiones musicales y poca dedicacion al estudio.

Manolito Varela, me habló de un productor que me buscaba para que me presentara a unas pruebas que estaban haciendo para la película Los Chicos de Preu. Ofrecían dieciséis mil pesetas a cada uno de los protagonistas, poco dinero entonces pero que a mí me venía muy bien, aún cuando debía aportar vestuario propio. Pedro Masó me aceptó enseguida: "Exactamente eres el muchacho que necesito". Mi papel era de hijo de José Luis López Vázquez y formaba parte de un grupo de jóvenes protagonistas, entre los que estaban Emilio Gutiérrez Caba, Marta Baizán, Karina, María José Goyanes...y Cristina Galbó.

Estuve con Los Botines 3 años. A veces teniamos problemas... Dos minutos antes de una actuacion el bateria habia desaparecido, y tenia que sentarme yo a la bateria y tocar y cantar al mismo tiempo.

Mi primer disco en solitario fue producido por Juan Pardo. El play-back se hizo en Londres y la voz la puse en Madrid. Salio en septiembre y el titulo era "Llegara el verano"... y la cara B "Sin Direccion". Creo que solo se vendieron dos discos y uno lo compre yo.
Juan Pardo decia que tenia un nombre rarisimo o poco comun. Yo le dije que en mi familia de poco comun nada, porque soy el sexto Camilo de mi arbol genealogico... Primos, dos tios ... Y se nos ocurrio poner el apellido SEXTO. Mi primer disco salio con X, pero despues se cambió la X por S porque empezó a haber chistes con respecto a otra persona muy importante. Mi primer programa en TV como CAMILO SESTO fue "Cancion 71", era la primera vez que cantaba en tv, en directo, ademas con orquesta...
La primera composicion mia que grabe fue "Esa Paloma". La siguiente fue "A ti, Manuela" dedicada a una persona que le toco morir antes de hora y pienso que refleje bastante bien en la letra lo que queria decir.
Mi primer Disco de Oro me lo dieron en Argentina con "Algo de mi". Llegar a una gran capital como Buenos Aires y verla toda empapelada con un poster tuyo, chico, impresiona.

En 1975 logra su éxito soñado en un escenario: Jesucristo Superstar . Cuando en España nadie se arriesgaba a montar un espectáculo europeo de la categoría de esta ópera-rock aclamada en Londres, Camilo se convirtió en protagonista y empresario, saliendo victorioso de ella, más en el sentido artístico que en el económico. Allí se dio a conocer también como triunfadora Ángela Carrasco , para quién luego compondría algunos de sus grandes éxitos. Era el 6 de noviembre de 1975 y el escenario, el del teatro Alcalá-Palace de Madrid. Una fecha que jamás olvidará Camilo.
En años siguientes, Camilo siguió cantando con éxito, en España y en Latinoamérica. Normalmente siempre cantó canciones compuestas por él mismo, salvo raras excepciones.

Mac!!! celebra la llegada del verano

2007-06-23T11:15:00.000-07:00

Así celebraban los Jamies en 1958 la llegada del verano, con este precioso tema DooWop que se colocó en el top 40 de ese año y, de nuevo, en 1962, cuando fue reeditado. La canción fue luego grabada por multitud de grupos (Fortunes, Jan & Dean, Legendary Masked Surfers, Mongo Jerry...) y es una de las mejores (y pioneras...) "canciones del verano" de todos los tiempos.
Por supuesto, hay otras...
Mac!!! lo va a celebrar este año haciendo una gran hoguera que podrá verse desde muchos lugares.
¿Como lo celebrarás tú?

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Mac!!! visita a Chema Madoz

2007-06-17T15:04:00.000-07:00

No todo es lo que parece,
y Chema Madoz (Madrid,1958) se encarga de ponerlo en evidencia. Ocultos entre la cotidianeidad surgen nuevos mundos. Nuevas dimensiones que de la mano de la metáfora alteran la percepción de la realidad más inmediata. El absurdo, la paradoja, el humor -por qué no la gregería- se dan cita en el estudio del fotógrafo. La idea inicia su proceso de superación del objeto y establece una descontextualización Dadá. La ironía con la que Madoz asalta modelos reconocibles establece una relación con el espectador que le conduce por los caminos de un universo paralelo.

... las fotografías no son solo el reflejo de lo que estaba ahí (una suerte de memoria portátil), -nos comenta Fernando Castro- también tienen que ver con la conciencia de la desaparición...... en sus metaforizaciones fotográficas enmarca cosas de una singular simetría o hace que nos fijemos en sencillos desplazamientos, en puntos de vista que modifican lo real... Cristian Caujolle subraya que en la obra de Madoz está articulada por unos objetos engañosos que detrás de su apariencia habitual, la que reconocemos (un sobre, un guante, una cerilla, un bastón, una balanza, un lapiz, etc.), porque nos es familiar, ocultan una extrañeza que produce una sensación nueva que impide considerar las fotografías como naturalezas muertas.

Mac ha extraído este comentario de la página del autor, www.chemamadoz.com/. Si te han gustado las fotografías, te aconsejo que pinches en el enlace y podrás ver muchas más.

Mac!!! al día: Bob Dylan gana el Príncipe de Asturias

2007-06-14T09:10:00.000-07:00

Reunido ayer en Oviedo el Jurado del Premio Príncipe de Asturias de las Artes 2007, ha acordado otorgar el galardón a Robert Allen Zimmerman, Bob Dylan, mito viviente en la historia de la música popular y faro de una generación que tuvo el sueño de cambiar el mundo. Austero en las formas y profundo en los mensajes, Dylan conjuga la canción y la poesía en una obra que crea escuela y determina la educación sentimental de muchos millones de personas. Por ello mismo, es fiel reflejo del espíritu de una época que busca respuestas en el viento para los deseos que habitan en el corazón de los seres humanos.

Bob Dylan nació en Duluth (Minnesota, EE.UU.) en 1941. Pionero en la introducción de la literatura en la música popular, fusionó por vez primera los ritmos de origen europeo y afroamericanos, lo que supuso una revolución de influencia decisiva para las generaciones de músicos posteriores. Comenzó a tocar la guitarra en la adolescencia y fue durante su paso por la Universidad de Minnesota y los ambientes folk, cuando decidió trasladarse a Nueva York para dedicarse por completo a la música. En 1961 lanzó su primer disco, Bob Dylan, del que vendió dos millones de copias. Su segundo álbum incluía Blowin´ in the Wind, que se convirtió en el himno de los movimientos pacifistas y pro derechos civiles en Estados Unidos. En 1964 The Times They Are A-Changin´ cerraba su etapa como intérprete de canción protesta.

En 1965 Highway 61 Revisited, en el que está incluido el tema Like a Rolling Stone, cambió la concepción que se tenía del rock´n roll por la profundidad de sus textos poéticos. Con este trabajo acudió al Festival Folk de Newport, acompañado del grupo The Band, con el que colaboró hasta 1977, año en el que protagonizaron un concierto de despedida, The Last Waltz, que fue grabado y convertido en documental por Martin Scorsese. Tras sufrir un accidente de moto en 1966, reapareció en 1968 con John Wesley Harding. En 1973 compuso la banda sonora de la película Pat Garrett & Billy the Kid de Sam Peckimpah, donde además interpretó un papel secundario. Dos años más tarde rodó su única película como director, Renaldo and Clara, aunque participó y sus temas están presentes en varias bandas sonoras. También fue guionista de Masked and Anonymous (2003), de Charles Larry.

En la década de los ochenta grabó varios álbumes centrados en sus nuevas inquietudes religiosas y se unió, durante un tiempo, a los Travelling Wilburys. En 1997 actuó ante el Papa Juan Pablo II en Bolonia (Italia). Firme defensor de causas sociales, ha colaborado en iniciativas solidarias como los conciertos Farm Aid y el Festival Pro-Etiopía Live Aid y, en 2006, actuó en una playa de San Sebastián bajo el lema "Concierto por la Paz" ante más de 100.000 personas. Por sus 25 años de carrera, su discográfica publicó el álbum quíntuple Biograph (1985), con algunas versiones inéditas.

En 2004 salió a la venta su autobiografía, Chronicles, Volume One, a la que habían precedido varios libros de escritos y recopilaciones de sus letras. Con su último trabajo, Modern Times (2006), volvió a ocupar el primer puesto de las listas de ventas en Estados Unidos y recibió dos Grammys: mejor álbum de folk contemporáneo y mejor solista de rock por el tema Someday baby. Además, ha recibido a lo largo de su vida profesional otros cinco Grammys y en 1991 el Grammy Lifetime Achievement Award. Comendador de la Orden de las Artes y las Letras francesas, en 1997 fue distinguido con el Kennedy Center Honors a la labor artística de toda una vida, y en el año 2000 recibió de manos del Rey de Suecia el Premio Polar que concede la Academia Sueca de la Música. En 2001 recibió un Oscar a la mejor canción original y un Globo de Oro por su tema Things Have Changed, incluida en la película The Wonder Boys. Doctor honoris causa por la Universidad de Princeton, fue incluido por la revista Time en la lista de las 100 personas más influyentes del siglo XX. Tras casi medio siglo de carrera ha vendido más de 90 millones de álbumes.

Cada uno de los Premios Príncipe de Asturias, concedidos por primera vez en 1981, está dotado con cincuenta mil euros, la escultura creada y donada expresamente por Joan Miró para estos galardones, un diploma y una insignia acreditativos. Los galardones serán entregados en otoño en Oviedo, en un solemne acto presidido por S.A.R. el Príncipe de Asturias.

Mac!!! con el pop-art "en español"

2007-06-12T09:41:00.000-07:00

El Equipo Crónica (1964-1981) fue un ejemplo significativo del pop art español, que no se limitó a participar de ese movimiento característico de los años sesenta, sino que intervino en él con una muy marcada personalidad, reconocida internacionalmente. Estuvo compuesto por los pintores Rafael Solbes (1940-1981) y Manuel Valdés (nacido en 1942) y se deshizo a la temprana muerte del primero.

Desde un punto de vista formal, tomaron sus recursos plásticos de los medios de masas y participaron de la gran corriente internacional que fue el pop art. Pero no se limitaron a constituir una especie de sucursal española del pop, sino que afirmaron su personalidad a través de una manera de hacer que los distinguió del resto.

En primer lugar, su discurso fue altamente crítico con la sociedad y la política españolas que les tocó vivir: la última etapa de la dictadura del general Franco (1964-1975) y la transición a la democracia (1976-1981). Los cuadros del Equipo Crónica fueron una crítica feroz a la dictadura y a las clases dominantes de la sociedad que la sustentaban; el juego de las imágenes desvelaba las contradicciones y luchas que afectaban a España.

En segundo lugar, además de los medios de masas (cartel, cine, fotografía, cómic), utilizaron la historia de la pintura y las vanguardias artísticas del siglo XX para elaborar sus cuadros. Con imágenes tomadas de la pintura española clásica (siglos XVII y XVIII) y de distintas vanguardias vigesimoseculares, construyeron conjuntos plásticos en los que la neocontextualización conducía tanto a una nueva mirada sobre la historia del arte como a la actualidad política, económica y social.

Y en tercer lugar, todo ello lo hacían privilegiando el valor de la superficie de composición, del plano del lienzo, de manera que, además de testimonio de un período, los cuadros del Equipo Crónica siguen manifestándose hoy como constructos llenos de belleza, de la que tenían cuando fueron creados y de la adquirida como una plusvalía por el tiempo depositado, por la suma de la añoranza del sentimiento de una época acumulada sobre cada línea trazada y cada campo de color plano.

Mac!!! conversa con Lindsay Muir

2007-06-11T03:47:00.000-07:00

¿Que sintió al publicar un nuevo disco en Circle Records, con temas que nunca se habían escuchado antes?

Algo exrtaño, un sentimiento de déjà vu.

¿Dónde han estado escondidos todo este tiempo los temas inéditos?

¡Yo qué sé! ¡Perdidos en muchas maletas, en desvánes y áticos!

¿Algún miembro de The Who ha escuchado su versión de "Is Not True"? ¿Si es así, qué les pareció? ¿Han tenido The Untamed y The Action alguna relación, habiendo ambos versioneado "The Land of 1,000 Dances"? Ahora que Reggie King está de vuelta en la escena, ¿habrá escuchado vuestro lanzamiento de Circle Records?

¡No tengo ni idea! si los Who escucharon nuestro "It’s Not True" nadie me lo ha comentado. En cuanto a Reggie King / The Action: las dos bandas nunca se encontraron. Vagamente recuerdo a ese grupo, bastante popular en los clubes de Londres, ¿no es así? The Untamed se movía más por todo el pais , realizando grandes giras a escala nacional. Nuestros caminos nunca llegaron a cruzarse realmente. Recorrimos senderos diferentes, por así decirlo. A menos que lo haya comprado en una tienda, no creo que Reggie King haya escuchado el disco de Lindsay Muir’s Untamed

¿Como lo haces para escribir canciones? ¿Los temas salen de una Jam session, trabajando guitarra en mano o sentado al piano, o te viene una canción a la mente, por ejemplo, cuando estás haciendo algo tan inarmónico como lavar los platos?

Las canciones suelen aparecer mientras hago algo inarmónico generalmente. Me encanta cocinar, y mientras lo hago, el acorde o idea musical me viene a menudo. Aunque he conseguido una buena memoria para tales cosas, todavía me precipito al teclado para trabajar la idea, antes de que se me vaya de la mente. Siempre estoy escribiendo canciones, y las presento, cuando aun no están completas, a otros músicos con los que suelo trabajar. Pero sí, las ideas para las canciones siempre vienen a mí cuando hago algo desvinculado de la música.

¿Qué reacción consiguió de las audiencias en sus conciertos por hoteles de todo el pais? ¿Apreciaron su esfuerzo, sus largos vajes y su trabajo diario?

La verdad, hacer cosas como tocar en el Hotel Hilton de Londres es una experiencia de lo más glamuroso. En nuestros bolos de hotel siempre nos comportabamos cautelosamente al principio, interpretando standards y numeros de jazz o blues, que eran los más adecuados para el formato de cena-baile. Gradualmente, cuando llevábamos un tiempo en el lugar y las audiencias se iban acostumbrando a nosotros, ibamos introduciendo el auténtico sonido Untamed.Los bailes del Hilton eran muy glamurosos: allí estábamos nosotros, justo en el centro de todo aquello, posiblemente el mejor hotel de la City. En aquellos días, muchos vuelos solían hacer escala en sus viajes procedentes de Europa, de camino a América. Por ello muchas personas (a menudo ricas y/o famosas) pasarían en el Hilton una noche, ¡y podrían ver una actuación nuestra! La gente solía hacer peticiones, y siendo un conjunto "flexible", a menudo podíamos satisfacerlas. Solíamos hacer una fortuna en propinas, generalmente en toda una variedad de moneda extranjera! No, en mi opinión, uno no podía conseguir un mejor escaparate para la banda que en el Hilton.

He oido decir que The Untamed eran muy grandes en la escena de la costa sur inglesa en los 60. ¿cómo era aquella escena?

The Untamed eran muy conocidos, y queridos, gustaban, en la costa sur inglesa en los años 60. La escena misma era fantástica, había un monton de lugares, especialmente de Eastbourne a Portsmouth. Muchas bandas de Londres bajaban hasta allí, y las bandas locales tampoco escaseaban. Muchos jóvencitos conducian desde Londres, particularmente al Shoreline Club, con su "Hotel adolescente", donde podían pasar el resto de la noche después de un concierto. Era un viejo gran hotel en Bognor Regis, convertido en un club con alojamieto, especialmente indicado para adolescentes que buscaban pasar un tiempo alejados de padres, policía etc., para "hacer sus cosas". No me sorprende que el sitio acabara clausurándose, entre rumores de los adultos... Relaciones sexuales, drogas y otros "tejemanejes"... The Untamed tocó allí bastante. Ese era el modus operandi de la banda durante los años en los que despuntó. El "boom" de la banda podemos datarlo desde mediados de 1965 a mediados de 1967. Durante ese tiempo, todo el mundo parecía conseguir un concierto, y caer bien, en la costa de sur. Si Donald Duck hubiera estado de gira, ¡¡¡podía haber tenido un buen concierto en esa escena!!!

¿Tubo The Untamed alguna vez grupies?

He llegado a la conclusión de que la principal función de las adolescentes en los 60 era seguir a los grupos y chillar (¡Conozco a alguien que gritó y persiguió a los Tremeloes a lo largo del paseo marítimo de Clacton!) No podemos referirnos a esas niñas como "grupies" realmente. Había dos tipos de chicas alrededor de la banda, y una línea finita entre las dos: 1) chicas que viajaron con la banda, como "amigos íntimos", y 2) niñas que vinieron a conciertos, y escribieron mensajes de lápiz labial en la furgoneta. No definiría el segundo grupo como "inofensivo", tuvimos que quitar frotando algunos de los mensajes, que eran demasiado "íntimos" para llevarlos por ahí conduciendo. Nunca conocimos a muchas de esas chicas, pero era evidente por sus mensajes lo qué querían hacer con nosotros (si consiguieran la oportunidad).

¿Cómo fue ir de gira con los Small Faces? Encuentro que The Untamed y los Small Faces son muy similares musicalmente. ¿Está usted de acuerdo conmigo en que ambas bandas tenían las mismas influencias?

En realidad nunca fuimos de gira con los Small Faces, pero volamos a un salón en una base militar, cerca de Francfurt, a filmar los sketchs de tv. Y respecto a comparar a The Untamed con los Small Faces … éramos totalmente diferentes ¡no me jodas! ¡Nosotros los veiamos como ‘Pop Merchants for teeny-boppers’ (comerciantes de música pop para adolescentes apasionadas)… nosotros estábamos a años luz por delante de ellos! (Es difícil saber si Lindsay Muir está siendo serio o deliberadamente irónico aquí, cuando sabe lo popular que la banda fue y es entre los Mods). En realidad, conocí a Ronnie Lane lo suficientemente bien como para charlar con él y era un tío cojonudo. Steve Marriott, sin embargo, era un demente, ¡me trataba con muy poco respeto, siempre presumiendo, probablemente porque iba cargado de pastillas y whisky la mayor parte del tiempo! Pero las dos bandas nunca coincidieron realmente como para conocerse mutuamente lo suficientemente bien.

¿Cómo fue estar en la TV alemana? ¿Tenía The Untamed un fuerte grupo de seguidores europeos? ¿Aparecisteis alguna vez en la TV británica, por ejemplo en ‘Ready, Steady, Go’?

No fue realmente gran cosa hacer lo de la TV alemana, sólo otro concierto más, verdaderamente. Lo más interesante para mí, fue estar en la base del Ejército de EEUU donde Elvis Presley había estado destinado durante un tiempo! Sí, The Untamed tenía algunos fans europeos, algunos chicos franceses y alemanes escribian al club de fans. Hicimos mucha TV británica (hoy descatalogada o destruída en gran parte). Éramos habituales del “Beat Room” de la BBC, que se grababa siempre en vivo (la banda tocaba sus canciones, no se limitaba a hacer mímica). Aparecíamos en la ITV, en “(Thank Your) Lucky Stars”, pero odiaba tener que hacer esa pantomima del play-back. Había mucho trabajo en tv regionales también. Recuerdo una aparición, donde estábamos promocionando “I’ll Go Crazy”, aparecimos con Astrud Gilberto. Además de su voz, y su obvia belleza, me quedé fascinado con el hecho de que era tan diminuta y delicada en la vida real. A propósito, ¡nunca hemos actuado en realidad en el “Ready, Steady, Go!”

Una pregunta poco profunda, ya lo sé, pero... ¿Dónde iba The Untamed a comprarse la ropa? ¡Me Pregunto esto cuando veo que en las fotos, todos apareceis impecablemente vestidos! ¿Cual era vuestro estilo de ropa favorito?

Compramos ropa como y cuando nos apetecía. Con la primera banda profesional, The Untamed Four, solíamos comprar toda nuestra ropa en Londres. Las tiendas de ropa de Carnaby Street estaban de moda y era un buen sitio a donde ir en aquellos años (1963-1964) y compramos muchas cosas allí. Cuando el quinteto Untamed entró en acción, girábamos en la carretera por todo el pais, por lo que ibamos comprando un poco por todas partes. Tony (Everett, guitarra de ritmo), y yo estubimos buscado ropa en Edimburgo, Terry (Slade, batería) se compró un jersey en Norwich. Ningún plan especial, simplemente comprabamos cuando teníamos tiempo o nos apetecía. A pesar del "uniforme" copletamente negro, que lucimos para las fotos de promo del single de Stateside I’ll Go Crazy’/’My Baby Is Gone, en la vida normal vestíamos totalmente diferente (puedes apreciar este look en el maravilloso libro "El Fin de la inocencia"). En la gira que hicimos con Roy Orbison, sin embargo, llevamos chaquetas militares de la marina, vaqueros Levi's y camisetas de ese estilo o polos de cuellos (en colores diferentes). También teníamos nuestro pelo teñido de rubio, para un look más campero. ¡Imagínatelo!

¿Hay alguna banda en la actualidad que te guste particularmente? ¿Cual es el último disco (o CD!) que has comprado? ¿Y cual fue el primer disco que compraste?

Mmm … unas preguntas muy difíciles, veamos … mi último cd fue ‘Gerry Mulligan – The Quartet Years’ hace unos dos años! Con la música "moderna", mi cantante/teclista favorito tiene que ser Donald Fagan, ex de "Steely Dan". Su álbum "Nightfly" es mi lp favorito de todos los tiempos. El primer disco que compré, eso es fácil, fue ‘Brand New Cadillac’ por Vince Taylor and The Playboys, sobre 1958, creo. Ése era el verdaderamente excitante rock'n roll británico. Me gustaba el rock'n roll de Cliff Richard también: ‘Apron Strings’, ‘Move It’, muy bueno, pero después de que hizo su primera película, se fue a tomar por el culo (¡No toques más esos bongós, papito!) Lo mismo pasó con Presley, después de hacer ‘Love Me Tender’, ¡sus discos sencillos y películas fueron auténtica basura!

¿Teníais conciencia de cuantos jóvenes de la escena estaban tras The Untamed? ¿Os sorprendió cuán rápidamente se vendió el lp ‘It’s All True’?

Hasta que me reuní con Pete Wild, no tenía ni puñetera idea de que gente jóven todavía considerara la banda, ni puta idea, cero!!! Cuando me telefoneó por primera vez, pensaba que me estaba tomando el pelo. Sí, me sorprendió mucho que el disco se vendiera inicialmente tan rápido, me quedé flipado! Cuando las cosas se dejan descansar durante un tiempo, se consigue más publicidad, y luego resurgen otra vez. Pasa lo mismo con nuestros singles de los 60. De hecho, algunas personas me han acorralado pidiendomelos para ellos. Duncan, ¡el bajista en los Untamed Four estubo recientemente por aquí, recogió una copia del vinilo, y dijo "Han hecho un jodido trabajo de primera clase con esto!". Y yo no pude sino estar de acuerdo.

¿Cuales son sus diez sintonías favoritas de todos los tiempos?

Hay tantas... pero sin ningun orden especial de preferencia ahí van 10:
1. "Yeh Yeh" - Georgie Fame material clásico.
2. ‘Living Doll’ – Cliff Richard, me recuerda mis últimas vacaciones de colegio, antes de dejarlo. ¡Días soleados en la playa... y CHICAS!
3. ‘Love Me Do’ – the Beatles. El primer disco sencillo que causó una impresión en mí por su sonido británico, en oposición a los que se limitaban a copiar los estilos americanos.
4. ‘Brand New Cadillac’ – Vince Taylor and The Playboys, mi primer single.
5. ‘The Saga of Jenny’ – Gertrude Lawrence. Esto es de alrededor de 1941, ella Solía cantar con Noël Coward. La escribieron Ira Gerschwin y Kurt Weill , sin duda dos grandes compositores.
6. ‘Late night Midnight’ – Gerry Mulligan & His Orchestra. Jazz como debe ser.
7. el Concerto de piano nº2 de Rachmanianov. Estaba en la película "‘Brief Encounter’. Solía hacer a mi madre (que era una brillante pianista) llorar.
8. ‘The Goodbye Look’ – Donald Fagan. De mi álbum favorito "Nightfly".
Finalmente, un par que han sido populares con ‘the Muirs’:
9. ‘Running in the Family’ – Level 42.
10. ‘Our House’ – Madness.